Дизайн

#статьи

19 июн 2026
0

Сюрреализм Рене Магритта

Как бельгийский художник придумал образ человека в котелке и и почему на его картинах так много зелёных яблок.

Изображение: Рене Магритт, «Декалькомания», 1966

Елена Болотнова

Философ, кино- и театральный критик. В свободное время берёт интервью и смотрит хорроры категории B.

Творчество бельгийского художника Рене Магритта легко узнать с первого взгляда. На его картинах — люди в котелках, каменные птицы и странные пейзажи. Уникальный стиль Магритта далёк от классической живописи: он брал самые обычные, знакомые каждому предметы — шляпы, свечи, деревья, окна — и превращал их в ребусы, заставляя зрителя сомневаться в очевидных вещах.

В тексте разбираемся:

как детская трагедия повлияла на художника;
почему он всю жизнь оставался верным одному подходу;
зачем так странно рисовал людей;
и какие приёмы Рене Магритта используют дизайнеры сегодня.

Кто такой Рене Магритт

Рене Магритт — художник-сюрреалист из Бельгии. Он родился в 1898 году в семье художника и модистки. В 16 лет юноша бросил школу и отправился в Брюссель — поступать в Академию изящных искусств. Дома его практически ничего не держало: в 1912 году мать Рене, Регина Магритт, страдавшая от депрессии, утопилась в реке. Историки отмечают, что это событие оставило серьёзный отпечаток на подрастающем художнике, хотя в дальнейшем он вспоминал о смерти матери крайне неохотно.

Когда Магритт переехал в Брюссель, то уже активно занимался творчеством. С Академией не сложилось — он бросил посещать занятия через пару лет. Зато жизнь в крупном городе давала свои плоды — художник активно налаживал связи в кругах местной интеллигенции и даже снял студию совместно с абстракционистом и поэтом Пьер-Луи Флоке.

*Изображение: Рене Магритт, «Всадница», 1922 г. / Royal Museums of Fine Arts of Belgium*

*Изображение: Рене Магритт, «Потерянный жокей», 1926 г. / MoMA*

*Изображение: Рене Магритт, «Тайный игрок», 1927 г. / Royal Museums of Fine Arts of Belgium*

В 1927 году состоялась первая выставка Рене Магритта — к сожалению, многие её критиковали. Тогда художник решил уехать в Париж, чтобы познакомиться с местным кружком сюрреалистов. Там он начал общаться и с Андре Бретоном, автором первого манифеста сюрреализма.

Сюрреализм — авангардное направление в искусстве, зародившееся во Франции в 1920-х годах. Художники-сюрреалисты старались соединить реальность и мир воображения. Для этого они использовали сочетания форм и элементов, которые не встречаются в природе, абстрактную живопись, сложные метафоры и головоломки.

Это знакомство оказало на Магритта большое влияние — можно сказать, что именно в Париже наконец оформился его авторский стиль. Начиная с этого момента все его работы смело можно относить к сюрреализму: практически невозможно выделить периоды, когда он занимался чем-то иным.

Спустя 11 лет Магритт вернулся в Брюссель — и даже в период военной оккупации в 1940-е не покинул город. В эти годы художник начал разрабатывать новый стиль — «солнечный сюрреализм». Магритт считал, что в период войны людям нужно что-то светлое и поддерживающее их дух. Именно таким был его новый подход, очень схожий с творчеством Ренуара. Но даже Андре Бретон, за эти годы ставший близким другом Магритта, раскритиковал это увлечение. Так что сразу после окончания войны художник вернулся к своему привычному стилю — более мрачному, странному, парадоксальному, наполненному загадками и головоломками.

Что Магритт вкладывал в своё творчество

Главная задача, которую ставил перед собой Магритт, — это создать головоломку на холсте. Человек, который увидит картину, обязательно должен задуматься над её смыслом и попытаться разгадать заложенный в ней ребус.

Это достаточно характерный для сюрреализма подход — искать скрытые смыслы в том, что для нас привычно. Магритт играет с обычными предметами: меняет их смысл, помещает в контекст, который полностью переворачивает значение происходящего.

Так, у Магритта есть целый цикл работ с названиями формата «Это не…» — на каждой них он изобразил самый обычный предмет, например курительную трубку, но с комментарием, что это вовсе не трубка. Объекты нарисованы так ясно, что у зрителя не остаётся даже доли сомнения в том, что это такое, но контекст (в данном случае название) заставляет сменить мнение. И подобным образом Магритт поступает со всем, что изображает: вещи остаются узнаваемыми, но их смысл, значение или функция двоятся или изменяются.

Портрет Рене Магритта, 18 октября 1961 года
*Фото: Musée Carnavalet*

Стилистически Магритт никогда не отступал от сюрреализма как метода создания своих картин. Но иногда в его работах заметно влияние других художников, которыми он вдохновлялся в какой-либо период творчества. Ранний Магритт — это проблески футуризма и кубизма, поскольку в это время он изучал картины Пикассо. В парижский период он был заинтересован в идеях местного кружка сюрреалистов, так что старался следовать их теориям и взглядам. «Солнечный сюрреализм» вырос из манеры импрессионистов, прежде всего Ренуара. Но во все времена через творчество Магритта проходит главная мысль: восприятие мира и сама реальность могут не совпадать.

Что изображал Магритт

В работах Рене Магритта часто повторяются одни и те же предметы и образы. Например, мужчина в котелке — популярный образ, с помощью которого он изображал типичного человека своего времени. А ещё, возможно, самого себя.

Фрукты

Именно фрукты, а точнее зелёное яблоко, стало визитной карточкой художника, хотя и появляется на его картинах не так уж и часто. Некоторые трактуют использование яблока как отсылку к библейскому сюжету: это тот самый плод, который погубил Адама. Но большинство исследователей сходится на том, что для Магритта это был просто популярный фрукт.

Яблоко — предмет, знакомый каждому, но художник помещает его в новый контекст. В творчестве Магритта встречались и другие плоды (например, груши и лимоны на некоторых ранних натюрмортах), но именно яблоко осталось самым ярким и растиражированным символом его творчества.

«Сын человеческий» (1964): фигура с закрытым лицом выражает тайное желание человека увидеть то, что прячется за видимым
*Изображение: Рене Магритт, «Сын человеческий», 1964 г.*

«Слушающая комната» (1952): яблоко полностью заполняет пространство комнаты, создавая визуальную головоломку
*Изображение: Рене Магритт, «Слушающая комната», 1952 г.*

Птицы

Птицы на картинах — чаще всего образ чего-то лёгкого и воздушного. Но Магритт нарушает привычные правила. Птицы на его полотнах не летают свободно: они застывают в воздухе, словно каменное изваяние, или не могут покинуть клетку, хотя она открыта.

«Проницательность» (1936): птица становится символом творчества, ведь художник на картине пишет изображение с натуры — но перед ним пока лишь яйцо
*Изображение: Рене Магритт, «Проницательность», 1936 г.*

«Память о путешествии» (1955): Магритт сковывает птицу, изображая её сделанной из камня, — об этом нам говорит перо, подпирающее башню
*Изображение: Рене Магритт, «Память о путешествии», 1955 г.*

Предметы быта

Главная идея всего творчества Магритта — превращать простые и привычные вещи во что-то новое. Он заставляет задуматься, правильно ли мы поняли, что перед нами за предмет.

«Вероломство образов» (1928–1929): самая известная картина из серии работ Магритта, где он изображает обычные предметы, но оставляет подпись, что это не они
*Изображение: Рене Магритт, «Вероломство образов», 1929 г. / Los Angeles County Museum of Art / Museum Associates / LACMA’s*

«Перспектива мадам Рекамье» (1951): пародия на картину неоклассика Жака Луи Давида. На оригинале изображена девушка, отдыхающая на софе, тем временем Магритт заменил её на гроб, адаптированный к той же позе. Так художник рассуждает о том, что же останется от человека после смерти
*Изображение: Рене Магритт, «Перспектива мадам Рекамье», 1951 г. / Estate of René Magritte / SODRAC / National Gallery of Canada*

Люди

Когда Магритт изображает на своих картинах людей, он пишет не портрет. Ему не важны индивидуальные черты или эмоции. Человек становится лишь символическим образом.

«Голконда» (1953): на картине десятки на первый взгляд абсолютно одинаковых мужчин в строгих пальто и котелках просто застыли в воздухе. И хотя издалека они сливаются в единый безликий поток — толпу, на самом деле у них слегка отличаются позы или направление взгляда
*Изображение: Рене Магритт, «Голконда», 1953 г. / The Menil Collection*

«Репродуцирование запрещено» (1937): на картине мужчина смотрит в зеркало, но видит там не лицо, а собственный затылок. Так Магритт показывает кризис самоидентификации: мы не всегда являемся теми, кем себя видим
*Изображение: Рене Магритт, «Репродуцирование запрещено», 1937 г. / Museum Boijmans Van Beuningen*

«Шахерезада» (1950): иногда Магритт играл с тем, как может изменяться тело человека. На картине — образ той самой рассказчицы из «Тысячи и одной ночи». Она рассказывает истории и гипнотизирует своим взглядом, а остальное — не важно
*Изображение: Рене Магритт, «Шахерезада», 1950 г. / Magritte Museum*

Пейзажи

Большинство пейзажей Магритт создал в период «солнечного сюрреализма», хотя и в другие периоды тоже их писал — просто в своей привычной конструктивистской манере. Чаще всего его привлекали упорядоченные, почти стерильные пространства: тихие провинциальные улицы, аккуратные подстриженные деревья, морские побережья и горные массивы.

«Условия человеческого существования» (1935): Магритт часто изображал картины в картине, играя с разницей восприятия и реальности. Здесь зритель границу практически не видит — реальный пейзаж и картина сливаются в одно
*Изображение: Рене Магритт, «Условия человеческого существования», 1935 г.*

«Империя света II» (1950): в серии «Империя света», которую Магритт так и не закончил, он играет с разницей между днём и ночью. Тёмная ночная улица с горящим фонарём и силуэтами деревьев, небо над этим ночным пейзажем — яркое, с лёгкими белыми облаками. Такое сочетание вызывает дезориентацию и тревогу
*Изображение: Рене Магритт, «Империя света II», 1950 г. / C. Herscovici, Brussels / Artists Rights Society (ARS), New York / MoMA*

Как Маритт повлиял на дизайн

Рене Магритт, конечно же, не создавал дизайн-проекты сам, но сильно повлиял на то, как сейчас работают дизайнеры, особенно в коммерческой сфере. Он показал, как контекст меняет восприятие объекта: этот принцип активно используется сегодня в брендинге, рекламе, UX и веб-дизайне.

Лейбл The Beatles Apple Records строит свою айдентику на оммаже образу яблока с картин Магритта
*Изображение: Muziker*

Приём искажения пропорций, который так любил Маргритт, часто используют, чтобы привлечь внимание к ключевому продукту. Изменение масштаба обыденных вещей заставляет пользователя задержать взгляд на объекте, поскольку человек начинает думать, будто что-то не так.

На полотнах Магритта предметы часто вырваны из своего привычного окружения и помещены в пустое, стерильное пространство. Этот приём дизайнеры тоже активно используют сегодня — и тоже чтобы подчеркнуть важные детали. Такое оформление часто можно увидеть в дизайне упаковок, существует даже целая концепция использования негативного пространства в упаковке. Дизайнеры используют этот метод, чтобы избавить потребителя от визуального шума и создать эффект дороговизны.

Наконец, дизайнеры взяли на вооружения узнаваемые образы с картин Магритта. Особенно популярен оммаж картине с трубкой, которая ей не является.

Реклама страховой компании: «Это не молоток, а источник травм для пальцев»
*Изображение: Allianz*

Что нужно знать про Рене Магритта

Рене Магритт родился в 1898 году в Бельгии и большую часть своей жизни прожил в Брюсселе. При этом он некоторое время жил в Париже, что связывает его с парижским кружком сюрреалистов.

Магритт занимался сюрреалистической живописью. Сюрреализм появился в 1920-е годы во Франции и быстро завоевал интерес художников по всей Европе. Общая черта для всего сюрреализма — игра с галлюцинациями, головоломками и странными сочетаниям. Только если французские сюрреалисты объясняли это работой бессознательного (как, например, Дали), то Магритт работал с привычными предметами и разницей между восприятием и реальностью.

Магритт известен своими работами, в которых:

создавал мысленные ребусы и головоломки, а не стремился к живописной манере исполнения — для него были важны смыслы;
иронично высказывался о классическом искусстве — оно казалось ему бессмысленным;
брал самые обычные вещи и переносил их в новый или странный контекст, создавая новые смыслы, — так он анализировал разницу между восприятием и реальностью;
не писал реальных людей — персонажи картин всегда оставались лишь функцией на пути донесения смысла.