История дизайна в 1960–1970-е годы. Часть вторая: графический дизайн

К середине 1960-х люди разочаровываются в идеалах модернизма — наступает эпоха постмодерна. В центре внимания в очередной раз оказывается сложный внутренний мир человека и его переживания.

В этом материале расскажем, что происходило в графическом дизайне в 1960–1970-х годах.

• Приоритеты — приоритетам! Социальная ответственность дизайнера
• Медиум ― это массаж. Бестселлер Маршалла Маклюэна и Квентина Фиоре
• Всё — искусство, всё — дизайн. Поп-арт, концептуальное искусство и современность
• Оп-арт. Не просто точки и полоски!
• «Двери восприятия». Психоделическое искусство, дизайн и субкультуры

Приоритеты — приоритетам!

Социальная ответственность дизайнера

Если в 1950-е графические дизайнеры осознанно манипулировали мыслями и чувствами людей, то к 1960-м пришло понимание, какую ответственность они из-за этого несут перед потребителями.

Британский графический дизайнер Кен Гарланд в своём знаменитом манифесте First things first («Приоритеты ― приоритетам!» или «Первоочередные вещи — в первую очередь», 1964) призывал дизайнеров перестать тратить свою жизнь на рекламу малозначительных товаров и, помимо коммерческой выгоды, вспомнить о социальной составляющей профессии.

Сам Гарланд всегда находил время для общественно значимых проектов: создавал развивающие детские настольные игры для Galt Toys, рисовал плакаты для общественных протестов, писал и иллюстрировал обучающие книги.

Медиум ― это массаж

Бестселлер Маршалла Маклюэна и Квентина Фиоре

Другое важное событие эпохи — выход проданной почти что миллионным тиражом книги канадского философа Маршалла Маклюэна (в соавторстве с графическим дизайнером Квентином Фиоре) «Медиум — это массаж: перечень эффектов» (1967).

Это название в шутливой форме обыгрывает популярное высказывание автора «Medium is the message» — средство коммуникации (медиум) влияет на смысл передаваемого сообщения. Например, один и тот же текст — прочитанный нежным голосом актрисы из рекламного ролика, написанный красками на асфальте или напечатанный в престижной газете — будет восприниматься нами по-разному. Поэтому задача дизайнера — научиться грамотно использовать эти приёмы в своей работе.

Дизайн книги наглядно иллюстрирует, как графические средства влияют на смысл прочитанного. Она оформлена в технике фотомонтажа и заставляет человека постоянно переключаться между «чтением» визуальной и текстовой информации. Некоторые страницы оставлены пустыми или на них всего несколько слов, некоторые можно прочесть только с помощью зеркала. Взаимодействие с книгой даёт читателю возможность изучить особенности собственного восприятия.

Всё — искусство, всё — дизайн

Поп-арт, концептуальное искусство и современность

Стирание границ между искусством и неискусством, элитарным и повседневным ― ещё одна черта постмодерна. Знаменитая инсталляция американского художника Джозефа Кошута «Один и три стула» (1965) демонстрирует, что наше восприятие реальности субъективно и обусловлено разными медиа. В поисках истины зрителям предлагается сравнить обыкновенный стул, его фотографию и словарную статью по теме «стул».

В этот период художники поп-арта обратили внимание на то, как важны для людей объекты массовой культуры, коммерческого дизайна и рекламы, и возвели их в статус современного искусства. Американский художник Энди Уорхол использовал технологию трафаретной печати, иронично демонстрируя преимущество тиражного над уникальным. Благодаря ему многократно повторённые образы товаров или поп-звёзд, раскрашенные в яркие флуоресцентные цвета, стали популярным графическим клише.

Читайте также:

История одного дизайна. «Диптих Мэрилин» Энди Уорхола

Рой Лихтенштейн оказал влияние на современный дизайн тем, что популяризировал эстетику иллюстраций в стиле американских комиксов: с чётким чёрным контуром, плоскостными заливками и имитацией растровой текстуры.

Однако истоки поп-арта следует искать в Великобритании 1950-х, где яркие образы американской рекламы, внушающие мечты о богатой и счастливой жизни, контрастировали с суровыми реалиями послевоенного времени. Неслучайно одной из первых работ в этом направлении считается коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956), составленный из фрагментов рекламных фотографий услуг и товаров.

Другой британский поп-арт-художник Питер Блейк параллельно со своими художественными произведениями оформлял пластинки музыкальных групп. В частности, он работал над обложкой для альбома Beatles «Оркестр клуба одиноких сердец сержанта Пеппера» (1967), дизайн которой стал символом того времени.

Читайте также:

5 легендарных обложек The Beatles, повлиявших на поп‑культуру

Это перегруженный деталями фотоколлаж: выполненные в натуральную величину картонные и восковые фигуры изображают «пантеон» известных людей, сами музыканты — в китчевых разноцветных костюмах, стилизованных под ретромундиры. «Прежние» Битлз в строгих костюмах стоят рядом в виде кукол.

Всё это показывает, что на смену стандартизации и рационализации пришла мода на свободу самовыражения и творческую индивидуальность, на смену серьёзности — ирония. Ориентация на будущее вытесняется новым витком переосмысления прошлого и популяризацией ретростилей, а дизайн и искусство делают ещё один важный шаг навстречу друг другу.

Оп-арт

Не просто точки и полоски!

Оп-арт — искусство, при котором создаются зрительные иллюзии. Они основаны на особенностях восприятия глазами плоских и пространственных фигур и цветовых сочетаний. Развитие оп-арта связано с таким направлением модернистского искусства, как «геометрический абстракционизм».

Со второй половины 1960-х художники и дизайнеры начинают использовать оптическую графику для того, чтобы визуально «сломать» и «оживить» скучную геометрию пустых модернистских пространств и объёмов. Оп-арт переходит из художественных галерей на страницы модных журналов, заполняет собой рекламные плакаты, тротуары улиц и фасады домов.

Становится популярным создавать фирменные паттерны на разных носителях. Яркий пример — фирменный стиль для летних Олимпийских игр в Мехико 1968 года (авторы: Лэнс Уайман, Педро Рамирес Васкес, Эдуардо Терразас). Графическое решение построено на совмещении кругов из цифр 6 и 8, олимпийских колец и традиционных геометрических узоров коренных народов Мексики.

Сочетание оптических приёмов и геометрического леттеринга стало визитной карточкой голландского дизайнера Юр­ри­а­на Шро­фе­ра. Он создавал как экспериментальные модульные шрифты, так и удивительные типографические обложки для разных изданий. В его работах продуманные комбинации цветов и форм создают иллюзию движения, превращая статичную типографику — в кинетическую.

Можно также вспомнить оптические картины из трансформированных кругов, многократно повторяющихся волнистых линий или контрастных полос британской художницы Бриджет Райли, которая затем создавала муралы (художественная роспись стен) в интерьерах общественных пространств от художественных галерей до больниц.

И, конечно же, нельзя не сказать про другую звезду из 1960-х японскую художницу Яёи Кусаму. Она стала знаменитой благодаря работам, которые покрывала равномерными паттернами из кругов или сфер. Этот модный «горошек» стал основой для многочисленных коллабораций Кусамы с Louis Vuitton: от принтов для ткани до интерьеров фирменных магазинов.

Уже в 1974 году канадский графический дизайнер Тед Батлер выпустил популярную серию наборов Supergraphic System Kit — трафаретов и инструкций для самостоятельной росписи стен разноцветными графическими полосами. Получается, оп-арт прочно поселился в модных жилых интерьерах.

«Двери восприятия»

Психоделическое искусство, дизайн и субкультуры

Вместе с эпохой постмодерна зарождается и расцветает множество молодёжных субкультур, главной из которых во второй половине 1960-х становятся хиппи. Представители этого движения выступали против консервативной морали и общественных норм, ограничивающих свободу самовыражения человека, а также капиталистических ценностей и насилия.

Центром формирования музыкальной и визуальной культуры хиппи стал город Сан-Франциско и работавшие там художники-графики Уэс Уилсон, Элтон Келли, Виктор Москосо, Рик Гриффин и Стэнли Маус. Они создавали афиши и обложки альбомов музыкальных групп с чертами психоделической графики, которые в дальнейшем появились в коммерческой рекламе и упаковке.

Одним из источников вдохновения для художников, работавших в этом направлении, стала линейная графика ар-нуво: плавные природные формы, задумчивые девушки с развевающимися волосами, фантазийные миры с множеством деталей и искажённые формы букв.

Они также вдохновлялись оп-артом, этнографическими орнаментами, опытами с популярными в то время наркотиками, вызывающими галлюцинации (открывающие, согласно метафоре Олдоса Хаксли, «двери восприятия»). Отсюда яркая кричащая цветовая гамма, необычные сюжеты и эффект «расплывающихся» или «мерцающих» перед глазами надписей и фигур.

Например, британский иллюстратор Алан Олдридж стал знаменит благодаря своим сюрреалистическим иллюстрациям и леттерингу, переосмысляющему объёмные формы декоративных букв со старинных вывесок и рекламы.

* * *

Дизайн 1960-х отразил переломный момент в европейской культуре ХХ века — переход от модернизма к постмодерну. Тенденции, возникшие в этот период (переработка и смешение элементов из разных стилей, самоирония и китч, стирание границ между дизайном и искусством, активное вовлечение потребителей в творческий процесс), сохранятся и будут развиваться в следующие десятилетия.