10 картин Розановой, которые нужно знать

Она изобрела поп-арт до американцев, была пламенной революционеркой, умерла от дифтерии в 32 года. Её яркая биография начиналась достаточно скромно.

В 1886 году в городке Меленки Владимирской губернии родилась Ольга Владимировна Розанова. Художница мирового масштаба, Розанова до конца сохраняла связь с родным городом и семьёй: матерью, братом и сёстрами. Пестрота уличной провинциальной жизни пленяла художницу, её редчайшее чувство цвета подпитывалось этой яркой, суетливой, ярмарочной красотой.

«Была дома… Наслаждалась видом куличей, украшенных сахарными голубями и золотистыми листьями, барашками и розами», — писала Розанова, вспоминая малую родину.

Вскоре после окончания гимназии Розанова начала учиться живописи в Москве. Она не разделяла традиционных подходов к обучению и сменила много заведений: частные мастерские, Художественное училище Большакова, Строгановское училище, в которое, впрочем, не поступила и ходила вольнослушательницей. Несколько лет провела на «Классах рисования» Юона и Ульянова, а затем, уже в 1911-м, резко переехала в Петербург, ощутив, что только там «вводят в точку современного искусства».

Это стало обыкновением для Розановой ― её творческие поиски не прекращались никогда, она меняла направления и преуспевала в каждом. Как и все, она начинала с реалистической и импрессионистской манеры, также увлекалась неопримитивизмом.

Сохранилось немало работ этого начального, ещё «классического» периода, однако признание пришло, когда была найдена характерная, узнаваемая рисовка с особым вниманием к фактуре и цвету.

«Портрет твой среди художников произвёл фурор»

«Леди в розовом» (портрет Анны Владимировны Розановой, сестры Ольги), 1911 г.

Переехав в Петербург, Розанова вступила в новую художественную группу «Союз молодёжи», участвовала во всех выставках объединения. На одной из них и появилась триумфальная «Леди в розовом».

Сама Розанова в письме сестре не сомневалась в успехе своих «прекрасных картин»: «Портрет твой среди художников произвёл фурор! Школьник всё повторяет: „Красивая барышня Ваша сестра“. Спандиков влезал на лестницу, чтобы посмотреть на твои „лучистые глаза“…».

Работа также известна как «Портрет дамы в розовом платье» с лёгкой руки коллеги, художницы Варвары Степановой, которая отзывалась о творчестве Розановой комплиментарно.

В журнале «Искусство» за 1919 год Степанова писала: «Этот необычайный, почти единственный портрет по своей силе во всей новой русской живописи, где через призму цвета проходит и глубокая психология портрета и понимание портретной живописи».

Постепенный переход к футуризму

«Натюрморт с зелёным кувшином», начало 1910-х гг.

Работа над пейзажами, даже самыми мрачными, придавала ей сил, а в отсутствие натурщиков она писала натюрморты и близких людей.

Она создавала как можно больше набросков и стремилась закончить натюрморт, пока не завяли цветы. Сохранилось немало натюрмортов Розановой разных годов, выполненных в самых необычных материалах и стилистиках, вплоть до ставших знаменитыми коллажей из тонкой бумаги ― «наклеек», как она сама их называла.

Эксперименты с фовизмом

«Автопортрет», 1912 г.

Фовизм (от французского слова fauve — дикий) был краткой вспышкой и в мировой художественной системе, и тем более в России, однако Розанову привлекали новейшие течения.

Её интерес к фовизму также был основан на сходстве творческого метода: сочные, «дикие» цвета, упрощённые формы, отказ от линейной перспективы, изобретение цветового пятна и отказ от детализации. Самым ярким фовистом оказался Анри Матисс ― художник, которого нередко сопоставляют с Розановой.

Влияние кубизма, цикл «Игральные карты»

«Пиковая дама», 1912–1913 гг.

В виде игральных карт Розанова изобразила своих друзей и знакомых из петербургской художественной сферы: Александру Экстер, Любовь Попову, Алексея Кручёных. Моделью для «Пиковой дамы», предположительно, послужила художница Наталья Гончарова. Связь Розановой с творческой богемой крепла, однако талант Розановой не был ограничен лишь прикладными навыками.

В 1913 году она пишет манифест «Союза молодёжи», а затем и вовсе входит в правление организации. В краткие сроки она проявила себя как арт-критик и теоретик искусства.

В манифесте она выделила главные тезисы, на которых строится современное искусство: «принципы динамизма, объёма и равновесия в картине, принципы тяжести и невесомости, линейного и плоскостного сдвига, ритма как закономерного деления пространства, планировки, плоскостного и поверхностного измерения, фактуры, цветового соотношения и массы других».

Беспредметное искусство

«Синее на жести» («Город»), около 1914 г.

Розановой не было равных при работе с цветом, для неё это была «универсальная цель». «Беспредметное искусство рождено любовью к цвету. Это живопись по преимуществу», — сформулировала Розанова в своей более поздней статье «Кубизм. Футуризм. Супрематизм».

Читайте также:

Абстракция и абстракционизм

Предположительно, она автор термина «цветопись», во всяком случае, так атрибутированы некоторые из её позднейших работ. Для достижения задуманного эффекта авангардная художница пользовалась, впрочем, весьма традиционными средствами ― например, лессировкой (техника, при которой на уже высохшую подложку наносится полупрозрачный слой краски; это усиливает глубину и насыщенность цвета).

Пишут, что Розанова планировала писать свои картины прожекторами в небе, чтобы между цветом и миром больше не было посредников в виде материалов красок и поверхностей, фактура которых «портила» чистоту тона.

«Прирождённый футуризм» Розановой, успех в Риме

«Пожар в городе», 1914 г.

В течение всех 1910-х годов Розанова поддерживала творческие контакты с футуристическим движением ― Маяковским, Бурлюком. Однако оценили её работы не только в России.

В 1914 году Розанова ездила в Рим по приглашению самого Филиппо Томмазо Маринетти, основателя движения, на организованную им «Первую международную футуристическую выставку» (Exposizione Libera Futurista Internazionale).

Более того, часть её работ сохранилась в коллекции семьи Маринетти. Хотя искусствоведы отмечают, что факт личного знакомства Розановой и Маринетти не подтверждён, есть предположение, что «Пожар в городе» выставлялся в Риме наряду с такими работами, как «Порт» и «Город». Картина считалась утерянной до 2011 года, обнаружена в запасниках краеведческого музея в городе Ельце Липецкой области.

Плакаты и русский поп-арт

«Письменный стол», 1915 г.

Плакатность, декоративность зрелого розановского творчества была неслучайной. Как и многие художники её поколения, она, во-первых, работала с окружающими её предметами, оттеняя их простоту нелинейной перспективой, композиционной сложностью, алогизмом, фрагментарностью, динамизмом и вкраплением совсем уж абстрактных цветовых пятен, добиваясь ощущения иллюзии и заставляя зрителя сомневаться в привычной ему реальности.

А во-вторых, она не была сторонницей «чистого искусства» и занималась вполне прикладными вещами: оформлением книг, украшением витрин и улиц, эскизами одежды и даже дизайном сумок.

Прекрасные коллажи Розановой во многом предвосхитили поп-арт 1950-х годов: концентрация на бытовых предметах, плоские формы, простые, но крайне яркие, «чистые» цвета.

Читайте также:

История дизайна в 1950–1960‑е годы

Заключительные этапы творчества

«Супрематизм», 1916–1917 гг.

Розанова создала целый цикл работ с таким названием.

Свой супрематизм она противопоставляла сухому и аскетичному изобретению Малевича. Впрочем, разлад между художниками был вызван и подозрениями в плагиате. В своих письмах художница расспрашивала Алексея Кручёных, не мог ли тот случайно показать её наброски Малевичу ― новое направление слишком очевидно напоминало её собственные задумки.

«Весь супрематизм — это целиком мои наклейки, сочетание плоско­стей, линий, дисков (особенно дисков) и абсолютно без присоединения реаль­ных предметов, и после этого вся эта сволочь скрывает мое имя», — не скупилась на выражения художница.

Впрочем, затем она вступила в организованное Малевичем сообщество «Супремус» и даже стала там секретарём.

Цикл «Война» в соавторстве с Алексеем Кручёных

«Битва в трёх сферах», 1916 г.

Розанова была в отношениях с поэтом Алексеем Кручёных, очевидным было взаимопроникновение их творчества. Она писала стихи, а он под её влиянием увлёкся графикой и коллажами.

Она также оформляла его книги. Кручёных и Розанова много работали вместе, однако полноценным совместным проектом стал цикл-альбом «Война». Гравюра «Битва в трёх сферах» сопровождалась следующим стихотворением Кручёных:

«Не падают мёртвы стоят

До Берлина тянется ряд».

Кручёных пережил её на 50 лет, однако, по сохранившимся свидетельствам, оставался одиноким.

Вершина творчества, преждевременная смерть

«Зелёная полоса (Распылённый свет)», 1917 г.

Самая знаменитая картина художницы появилась незадолго до её ухода из жизни. Шедевр Розановой привычно ставят на второе место после «Чёрного квадрата» Малевича.

Читайте также:

Слишком просто, но непонятно: в чём секрет гениальности «Чёрного квадрата»

Меж тем идея Розановой была гораздо более вдохновляющей: вместо мрачного замкнутого геометризма — бесконечный поток, вместо всепоглощающего чёрного ― полноводный зелёный, вместо смерти ― искрящаяся светом вечная жизнь.

Гению Розановой было, по её собственному представлению, «очень скучно специализироваться на одном каком-нибудь искусстве».

После революции, которую Розанова приветствовала всей душой, она стала работать вдвое больше ― в комиссариате просвещения (Наркомпросе), в союзе художников, газете «Анархия». Она даже стала вышивальщицей красных знамён.

Это её и погубило ― она простудилась при подготовке Москвы к празднованию и скончалась в годовщину революции, 7 ноября 1918 года. После смерти её работы какое-то время показывали на выставках современного искусства, однако затем более чем на 50 лет они были забыты в запасниках.

Не все картины пережили этот период, многие утеряны или необратимо повреждены, хотя уцелевшие сейчас выставляются в музеях по всей России. В родном Розановой Владимире с 2016 года действует Розановский центр, который планирует выкупить принадлежавший её семье дом ― он в аварийном состоянии.