Панк в графическом дизайне: 6 принципов, которые не обязательно соблюдать

Панк — это радикальная форма творческого самовыражения и раскрытия индивидуальности.

Подобно хамелеону, панк постоянно меняет свой облик в зависимости от личности художника или дизайнера, который решает выразить своё веселье и злость без предохранителей. Стоит нам только увидеть знаменитый эффект записки с требованием выкупа или драйвовый коллаж, как в голове мгновенно возникает лишь одна мысль: «Это панк».

В этой статье расскажем, какие шесть принципов делают классический панк-дизайн узнаваемым, как они формировались и почему их принятие или отрицание сегодня — это и есть настоящий панк.

Кратчайшее введение в панк

Панк-дизайн возник одновременно с панк-роком в 1970-е годы по обе стороны Атлантики — в Нью-Йорке и Лондоне. Тогда дизайнеры-панки в основном оформляли музыкальные альбомы, афиши и фанзины для молодых и дерзких групп, которые формировали новый звуковой ландшафт.

В Лондоне Джейми Рид создал культовые обложки первых релизов Sex Pistols, Вивьен Вествуд вдохновляла раннюю панк-моду, а в Нью-Йорке Рэймонд Петтибон оттачивал стиль на пластинках Black Flag и чёрно-белых зинах.

Читайте также:

Миру — бунт. История модного дома Vivienne Westwood

В 1980-е панк-дизайн вышел не только за рамки жанра, но и за пределы музыкальной сцены. Самые ранние панк-группы — американская Ramones и британская Sex Pistols — образовались в 1974 и 1977 годах соответственно, а уже в 1979-м группа Crass выпустила трек Punk is Dead, обозначив противоречия между чрезмерной политизированностью панк-текстов и неизбежным превращением жанра в культурный мейнстрим.

Это положит начало бесконечным спорам о панк-аутентичности и дроблению жанра. Однако, в отличие от музыкантов, дизайнеры отреагируют на этот идеологический кризис более осмысленно. Панк-дизайн начнёт двигаться во всех направлениях.

Художники и дизайнеры продолжат оформлять как остросоциальные релизы панк-групп, так и более аполитичные альбомы и синглы представителей постпанка. Многие, в том числе уже упомянутые Рид и Петтибон, будут заниматься творчеством независимо, отчего станут намного ближе к миру современного искусства, нежели к музыке.

За пределами Америки и Великобритании, в спокойной Швейцарии благодаря усилиям Вольфганга Вайнгарта в типографике возникнет швейцарский панк, который сломает строгую сетку доминирующего швейцарского стиля. Позже ученица Вайнгарта Эйприл Грейман станет пионером цифрового искусства и проложит панку одну из множества дорог в информационную эпоху.

Читайте также:

Типографика без правил: Швейцарский панк

Давайте разберём самые частые стилевые приёмы панк-дизайнеров конца прошлого столетия.

Апроприация изображения

Апроприация в изобразительном искусстве — это заимствование и присвоение уже существующих изображений. Эта практика стала знаковым приёмом современного искусства в конце 1970-х и на протяжении 1980-х годов. Обилие массовых медиа — газет, книг, телевидения и кино — делало апроприацию простым и дешёвым способом создать новое произведение на основе чужого. К тому же подобная практика отлично вписывается в левую идеологию панка с её критикой копирайта как одной из форм капиталистического угнетения.

Многие исследователи панка, такие как Грейл Маркус, автор книги «Следы помады», отмечают сильное влияние дадаизма и ситуационизма на эстетику панка, поэтому пародия и творческая кража органично вписываются в метод панк-дизайнеров.

Самый яркий пример апроприации — литография Джейми Рида God Save the Queen для одноимённого сингла Sex Pistols. Дизайнер «присваивает» портрет Елизаветы II с денежных купюр, выпущенных к 25 годовщине её восхождения на британский престол. В 1977 году это событие отмечали по всей Великобритании, поэтому изображение королевской особы было буквально повсюду — лёгкая мишень для дизайнера.

Закрытые рот и глаза королевы — максимально дерзкое решение для довольно консервативного британского общества. Этот настрой во многом определит скандальный визуальный стиль британского панка и желание шокировать обывателей.

Но апроприация панка не ограничивается прямым заимствованием ради скандала. Рид также первым среди панков начал использовать ситуационистский приём под названием «детюрнеман» (détournement) — изменение смысла украденного изображения через помещение его в иной контекст.

В чёрно-белой литографии Pretty Vacant Рид ксерокопирует фотографии обычных британских автобусов, которые каждый день везут людей на работу и обратно, но помещает на них надписи «В никуда» (Nowhere) и «Скука» (Boredom), тем самым заставляя зрителя взглянуть по-другому на свою жизнь.

Читайте также:

Стиль: визуальный путеводитель по эпохам

Коллаж и бриколаж

Логичное развитие метода апроприации — коллаж и бриколаж. Панк-дизайн формировался по времена «ножниц и клея», когда авторам приходилось собирать свои работы вручную, а газеты и журналы выходили огромными тиражами и были важной частью повседневности. К тому же в 1970-е людям оказались доступны ксероксы, художникам стало легче тиражировать свои работы.

Коллаж позволял дизайнерам создавать сложные и неочевидные композиции, которые добавляли в работы сюрреализм, способный выводить зрителя из состояния пассивного наблюдателя и пробуждать в нём любопытство.

Например, дизайнеры Линда Стерлинг и Малькольм Гаррет в оформлении сингла Orgasm Addict для группы Buzzcocks совместили несколько журнальных изображений, чтобы создать образ женщины с утюгом вместо головы и с грудью, которая улыбается парой ртов с идеальными зубами.

Вместе с необычной и стильной типографикой Стерлинг и Гаррет не только создали свежий образ, но и избежали китча — из-за обнажённой женщины и красивой улыбки появляется нужное настроение соблазна, а утюг как бездушный бытовой предмет работает на раскрытие темы зависимости.

DIY

Возможность быстро и самостоятельно размножить свои работы в более или менее удовлетворительном качестве привело к тому, что панки всех мастей стали заниматься самиздатом, распространять любительские журналы о панк-роке — зины.

Этому также способствовала антикапиталистическая идеология панка — DIY, то есть буквально «сделай это сам». Зинами занимались и музыканты, и профессиональные дизайнеры, и большое количество любителей — они распространяли свои журналы через дружественные площадки, продавали на концертах или просто дарили.

Дизайн зинов и флаеров строился на «возвышенном понимании» любительства. Само слово amateur происходит от латинского amator — «влюблённый» — и связано скорее с любовью и страстью, чем с мастерством или профессионализмом. Панк-дизайнеры противопоставляли себя «правильной» элитарной культуре, которая во многом строится вокруг звёздных коммерческих творцов, и взамен чистого выверенного продукта предлагали страстное и живое послание.

Каждый мог сделать журнал и быть услышанным. Например, популярный зин Jamming! начал выпускать 13-летний школьник Тони Флетчер, который полюбил панк-рок на фоне подростковых проблем:

Первый выпуск Флетчер напечатал на школьном копире тиражом всего пятьдесят экземпляров, но это не помешало его зину набрать локальную популярность среди фанатов лондонского панка.

Читайте также:

Я так вижу: что такое зин, фотокнига и artist’s book

При этом у демократичности DIY-подхода был ещё один интересный феномен — дескиллинг (deskilling). Неверно думать, что среди панк-дизайнеров были только любители — у многих авторов было художественное образование. И если панки-самоучки легко и естественно погружались в новую эстетику, то их более профессиональным коллегам приходилось учиться забывать правила, которые они много лет усваивали.

Арт-ориентация

Помимо дадаизма, сюрреализма и ситуационизма, панк-дизайн испытал сильное влияние поп-арта, особенно Энди Уорхола, чьи решения и практики многие панки позже переосмыслили. Например, дизайнер Барни Бабблз использовал приём «постеризации» и эстетику цветовых блоков Уорхола для оформления музыкальных релизов.

Если же смотреть на карьеры разных дизайнеров в перспективе, то в итоге многие из них стали меньше ассоциировать себя с панком и становились частью мира современного искусства. Например, изначально Рэймонд Петтибон в панк-сообществе был известен как автор-иллюстратор зинов и альбомов группы Black Flag, а самым ярким его дизайнерским решением было оформление лонгплея Goo группы Sonic Youth.

Читайте также:

Что в этом такого? О дизайне обложки Goo группы Sonic Youth

Антикоммерческая позиция панка имеет много общего с идеологией «искусство ради искусства», поэтому творчество Петтибона легко вышло из берегов чистого панк-дизайна и стало частью современного искусства. Когда в 2017 году в «Гараже» проходила его выставка «Облако ложного прочтения», то кураторы уделили большее внимание его самостоятельным поздним работам, а не тем, что были привязаны к музыке.

Пастиш

Пастиш — ещё один важный приём панк-дизайнеров, он близок к апроприации, но у него есть некоторые важные отличия.

Пастиш — это вторичная работа с изображением, при этом не прямая его кража, а именно акцентированное повторное использование чужого художественного решения. Его можно спутать с отсылкой, но пастиш всегда будет более прямым, а не завуалированным.

Лучшая иллюстрация этого приёма — постер Рэя Лоури к альбому London Calling группы The Clash. Его украшает знаменитая фотография Пенни Смит, на которой басист Пол Симонон разбивает бас-гитару об сцену. Это оригинальное, а не украденное изображение, но типографика взята с альбома Элвиса Пресли.

В этом контексте пастиш раскрывается на максимум — панк-рок показан как продолжение рок-линии Пресли, но безумное и дикое настроение снимка показывают, что панк-музыка даже круче. Одновременно дань уважения и самопиар.

Лоури не остановился на этом: на постере к альбому он разместил 28 фотографий разных цветов. Так пастиш превращается в произведение искусства, которое не только копирует типографику, но и добавляет эстетику поп-арта.

Эксцентричная типографика

И напоследок самый узнаваемый элемент панк-дизайна, который вобрал в себя все остальные принципы — эксцентричная типографика. Поскольку панк-дизайнеры работали в духе DIY, апроприировали и коллажировали чужие изображения, а также культивировали в себе любительскую страсть, то и подход к типографике у них был максимально нетривиальным. Они вырезали слова и буквы из газет, писали от руки, добавляли машинописный текст, играли со шрифтами и игнорировали существующие правила вёрстки и композиции.

Не только эффект анонимной записки с требованием выкупа — в панк-дизайне были и готические шрифты, и минималистичные брусковые, и рукописные, и тонкие стильные современные решения.

В Англии одним из первых эксцентричный шрифт использовал Джейми Рид — он экспериментировал с ним ещё когда подростком участвовал в создании независимого журнала Suburban Press.

В Америке подобным занималась дизайнер Джулия Гортон: она создавала откровенные чёрно-белые фотографии представителей нью-йоркской даунтаун-панк-сцены, а к ним добавляла неровные тексты.

Эксцентричный шрифт — это прежде всего дитя эпохи «режь и клей», органичный способ для любителя сделать нечто крутое, отчего идут мурашки по коже. Но также это и часть более общего постмодернистского движения в дизайне, реакция на однотипное засилье во многом совершенной, но скучной «Гельветики», которая к 1980-м годам была повсюду и ассоциировалась у молодых дизайнеров со строгим корпоративным стилем, максимально чуждым весёлой философии панка.

Послесловие

С 1980-х годов прошло уже много лет, за это время изменилось всё: политика, общество, технологии и дизайнерские инструменты. Панк в том виде, в котором он существовал, уже не актуален. К тому же, как отмечали Crass, а вслед за ними и многие другие критики, капитализм и массовая культура впитали в себя внешние атрибуты панка — ирокезы, нашивки и скандальные выступления, — но обезвредили внутренний заряд. Ситуационисты назвали бы это рекуперацией — превращением радикальной идеи в удобоваримый товар. И это заставило многих панков искать иные визуальные формы.

Но это не значит, что старые приёмы нельзя использовать, если их адаптировал под свои нужды культурный мейнстрим. Глубинное веселье панка как раз в том, что не важно, как и что делает дизайнер, — главное, что делает искренне, дерзко и не боится допустить ошибку.