Дизайн
#статьи

История дизайна: 1910–1920-е годы

«Веркбунд», Поль Пуаре и русский живописный авангард.

Иллюстрация: Wikimedia Commons / chicagohistory / rawpixel / freepik / Polina Vari для Skillbox Media

Дарья Сорокина

Историк искусства, исследователь авангардного искусства 1920–1930-х годов в России и Германии, магистрант программы «Дизайн-исследование» в школе Баухаус в Дессау, сотрудник Bauhaus Dessau Foundation.

На рубеже XIX–XX веков, а также в первом десятилетии XX века в искусстве и дизайне доминировал модерн. В 1910-е годы ясной картины не осталось, но всё же можно выделить яркие явления, характеризующие десятилетие.

В эти годы образовалось первое профессиональное дизайнерское объединение в Германии — «Веркбунд». В живописи и архитектуре возник экспрессионизм, обозначился русский живописный авангард. Появилось нидерландское объединение «Де Стейл», а также зародилась амстердамская архитектурная школа. Возник функционализм, первые шаги «сделал» стиль ар-деко во Франции.

Пожалуй, главная характеристика десятилетия — зарождение тенденций, которые станут главенствующими в дизайне ХХ века: лаконичность, минимализм, утилитарность, функциональность, и с другой стороны — декорирование и экспрессивность.


Германия. «Веркбунд»

В 1906 году в Дрездене прошла выставка, на которой были представлены образцы современного дизайна и архитектуры, созданные совместно архитекторами-проектировщиками и мастерами-ремесленниками. Именно на этой выставке определился вектор развития дизайна в сторону функциональности и лаконичности.

В 1907-м году в Мюнхене, под влиянием дрезденской выставки, двенадцать представителей разных профессий, связанных с дизайном, основали объединение художников, архитекторов, мастеров художественных ремёсел, предпринимателей, промышленников и экспертов. Оно получило название «Немецкий Веркбунд».

Целью работы объединения стали «поддержка и развитие художественных ремёсел и нового промышленного искусства, призванного повысить качество массовой промышленной продукции». Участники «Немецкого Веркбунда» также стремились повышать вкус потребителя и создавать узнаваемый облик немецкого дизайна, который мог бы достойно конкурировать на мировом рынке.

Монограмма «Немецкого Веркбунда». Изображение: «Немецкий Веркбунд»

Сильное влияние на появление «Немецкого Веркбунда», а также его становление и развитие оказал британский опыт, в частности — движение «Искусства и ремёсла» Уильяма Морриса. Один из основателей «Веркбунда» Герман Мутезиус провёл немало времени в Великобритании, внимательно изучил устройство английского дома и в результате этого исследования в 1908 году выпустил в Германии книгу «Английский дом». Как ни странно, целью Мутезиуса был поиск дизайна в немецком духе по аналогии с английским.

Самыми активными членами «Немецкого Веркбунда» были талантливые многопрофильные художники, которые могли создавать любые предметы — от дверной ручки до дома. Таким был Петер Беренс, которого можно по праву считать одним из первых в мире промышленных дизайнеров. Для «всеобщей германской электрической компании» AEG Беренс проектировал как лампочки, чайники и вентиляторы, так и турбинные залы и целые архитектурные комплексы. Он также отвечал и за графический дизайн фирмы.

Важным направлением работы «Веркбунда» была просветительская деятельность. Помимо общественных лекций и регулярных выставок, члены объединения организовывали учебные учреждения нового типа. Стоит выделить «экспериментальные художественно-промышленные мастерские» при школе искусств Великого герцога Саксонского в Веймаре, где архитектор Анри Ван де Вельде, один из основателей «Веркбунда», был художественным консультантом. Акцент при обучении ставился на познание природных свойств материалов и их максимального рационального использования.

Впоследствии в главном здании мастерских, законченном Ван де Вельде в 1911 году, Вальтер Гропиус основал Баухаус — первую и главную модернистскую школу двадцатых.

Великогерцогская Саксонская школа изящных искусств, Анри Ван де Вельде, строительство закончено в 1911 г. Фото: Wikimedia Commons

Уникальным учебным проектом «Немецкого Веркбунда» также стало утопическое поселение Хеллерау, которое в 1909 году в пригороде Дрездена основал Карл Шмидт — плотник, который развил своё дело до фабрики. В этом посёлке жили художники и рабочие, их уютные дома утопали в зелени — согласно концепции «города-сада». Жизнь в поселении объединяла работу, культуру и образование. С 1911 года там начал работу культурный центр с экспериментальной школой, в которой практиковались ритмика, гимнастика, пение, разные театральные практики.

На протяжении первых семи лет существования «Веркбунд» прекрасно справлялся с поставленными целями: совмещал творческие устремления и потребности массового промышленного производства, проводил международные выставки, публиковал каталоги продукции.

Пиком развития производственного союза можно считать предвоенную выставку в 1914 году в Кёльне. На ней экспонировалась серийная мебель, тиражные предметы домашнего обихода (даже мебель для спального вагона поезда) и архитектура, которая становилась главным медиа. Именно на этой выставке были представлены два направления, которые вскоре стали главенствующими для своего времени: экспрессионизм и функционализм.

Плакат выставки «Немецкий Веркбунд» в Кёльне. Петер Беренс, 1914 г. Изображение: Public Domain

Австрия. «Венские мастерские»

В Вене ещё в 1903 году появилась организация-прообраз «Веркбунда» «Венские мастерские» — объединение архитекторов, художников, ремесленников и коммерсантов. Их целью было «поощрение и координация сотрудничества промышленников, художников и торговцев для успешного производства и сбыта изделий художественных ремёсел». Пора расцвета мастерских пришлась
на 1905–1910 годы, но они продолжали успешно работать на протяжении 1910-х.

В 1913 году «Венские мастерские» были реорганизованы в подразделение «Веркбунда». Принципиальным отличием «Венских мастерских» от «Веркбунда» было количество создаваемых изделий: в мастерских все работы выполняли в единственном экземпляре.

Руководитель и основатель мастерских Йозеф Хофманн стал основателем и австрийского «Веркбунда». Хофманн во многом продолжил начатую в 1900-е линию рационального модерна — отхода от витиеватых цветочных орнаментов в сторону сдержанности и лаконичности. Его дизайн постепенно становился более строгим и абстрактным, творчество всё больше ограничивалось функциональными конструкциями и бытовыми изделиями. Постоянное использование в композиции квадратов и кубов привело к тому, что к дизайнеру приклеилось прозвище «квадратный Хофманн».

Кресло кубической формы Йозефа Хофманна, 1910 год. Фото: Wikimedia Commons

Несмотря на успешную деятельность, в Австрии веркбундовцы подвергались критике со стороны коллег. Например, в 1913 году вышла злая статья венского архитектора Адольфа Лооса «Орнамент и преступление». Он выступал против «орнаментализма, фасадничества и внешней декоративности», в своих взглядах был радикальнее Хофманна.

Лоос утверждал, что «всякое украшение есть детство человечества», которое должно быть преодолено, а орнамент — эротический символ, свойственный самой низкой ступени развития человека. Лоос раздражал современников своей радикальностью, а его дизайнерско-архитектурные проекты получали нелицеприятные прозвища вроде «дом без бровей», «кафе „Нигилизм“». Однако он оказал сильнейшее влияние на развитие функционализма, и текст «Орнамент и преступление» в итоге стал культовым.

Швейцария. Подразделение «Веркбунда»

В 1913 г. (в один год с Австрией) в Швейцарии было основано подразделение «Веркбунда». Швейцарский «Веркбунд» был ассоциацией художников и дизайнеров, состоящей из местных групп, которые находились в разных регионах и городах страны. Эти группы руководствовались идеалами «Немецкого Веркбунда», но делали это, в отличие от немцев, автономно, а не сообща.

Директором был выбран архитектор Альфред Альтерр. Члены швейцарского «Веркбунда» задались целью продвигать сотрудничество между искусством и промышленностью в Швейцарии и делали это с помощью статей в журнале Revue Mensuelle de l’Oeuvre, который выходил в Лозанне.

Стоит отметить ещё одну важную фигуру в Швейцарии того времени — архитектора Шарля Жаннере, известного также как Ле Корбюзье. В 1910-е он перешёл от традиционных деревянных швейцарских шале к радикальным изменениям в архитектуре и дизайне.

В 1914 году на Венецианской архитектурной биеннале Ле Корбюзье представил передовой проект «Дом-Ино». Это был открытый каркас, состоящий из бетонных плит-перекрытий и тонких железобетонных колонн-опор, сбоку находилась лестница. Новаторство заключалось в том, что конструкция не ограничивала и внутреннюю планировку помещений, и внешний облик здания.

Архитектурная модель по проекту 1914 г. Ле Корбюзье «Дом-Ино», выполнена для Музея Гааги, около 1987 г. Фото: Wikimedia Commons

Нидерланды. «Амстердамская школа» и «Де Стейл»

В Нидерландах в 1910-е главенствовали и противоборствовали экспрессионизм и функционализм. Экспрессионизм в Нидерландах был представлен «амстердамской школой». Она появилась в результате социальной реформы, ориентированной на массовое строительство доступного жилья, так что доминирующим медиа была архитектура. С эстетической точки зрения «амстердамская школа» испытывала влияние и Уильяма Морриса, его движения «Искусства и ремёсел» с идеей о необходимости преображения вещей повседневного пользования, и искусства Ост-Индии, и европейского модерна рубежа веков.

Представители «Амстердамской школы» рассматривали дизайн как средство передачи эмоций, поэтому композиционно здания представляют собой сочетания прямых, угловатых, закруглённых и органических форм. Строения школы, как правило, представляют собой комплексы зданий, каждое из которых выполнено в выразительных формах, с башнями, декоративными шпилями и богато декорированными окнами и дверями.

Важная характерная особенность облика зданий «Амстердамской школы» — виртуозная кирпичная кладка с разными сортами и типами плетения кирпича.

Комплекс зданий «Корабль» в Амстердаме, автор Мишель де Клерк, 1919 г. Фото: Janericloebe / Wikimedia Commons

Наглядный «манифест» «Амстердамской школы» — «Дом судоходства» в Амстердаме, выполненный совместно тремя архитекторами: Йоханом Ван дер Меем, Мишелем де Клерком и Питом Крамером. Внешне здание напоминает корабль, интерьер и фасад испещрены морскими мотивами, так как исторически одной из важнейших отраслей промышленности в Нидерландах было судоходство.

С 1918 года «Амстердамская школа» стала выпускать журнал «Вендинген» (можно перевести как «переворот»). Типографика, которую Хендрикус Вийдевельд разработал для этого журнала, оказала широкое влияние на графический дизайн «Амстердамской школы», проявившись даже в вывесках зданий и почтовых ящиках. У этого издания был характерный облик — квадратный формат и особенный японский переплёт из нитей, это ярко контрастировало с другими газетами и журналами того времени.

Обложка первого номера журнала «Переворот», который выпускался с 1918 г. с участием представителей «Амстердамской школы». Изображение: Public Domain

Если «Амстердамская школа» была популярна внутри страны, то противоборствующая группа, которая выступала против орнаментальности и украшательства, имела международный успех. Этой группой было основанное в 1917 г. в Лейдене объединение «Де Стейл» («Стиль»). Его главным протагонистом был художник Тео ван Дуйсбург, а одним из ключевых участников — живописец Пит Мондриан.

«Де Стейл» вело активную деятельность по разным направлениям (от издания журнала до строительства зданий), создало собственную концепцию геометрического абстракционизма под названием «неопластицизм». Это утопии новой пластической культуры, создаваемой «первичными элементами»: линиями, геометрическими фигурами, основными цветами спектра.

Простота и вместе с тем яркость визуального языка неопластицистов оказали сильное влияние на развитие западноевропейского и американского модернизма в ХХ веке.

Красно-синее кресло Геррита Ритвельда, 1918 г. Фото: Wikimedia Commons

Франция. Зарождение ар-деко

В Париже, который на рубеже веков стал столицей мировой культуры, не было ни производственных объединений, ни их радикальной оппозиции. Здесь по-прежнему проходили богемные балеты Дягилева, творили Пикассо, Брак, Матисс и многие другие. С точки зрения дизайна революционные изменения происходили в моде. Именно на 1910-е пришёлся максимальный расцвет гениального модельера — Поля Пуаре, его можно считать основоположником стиля ар-деко.

Панталоны «Гарем» 1911 г. от Поля Пуаре, фото Анри Мануэля, около 1920 г. Фото: Public Domain

Вдохновляясь Японией, Китаем и древней Элладой, Пуаре начал создавать принципиально новые образы: платья в виде туники, пеплоса, кимоно. Стоит отметить, что для первых двух десятилетий двадцатого века платье без корсета было не меньшим вызовом, чем живопись Пикассо. Модельер разработал специальную технику пошива одежды, известную как драпировка. Структура костюмов Пуаре была проста: как правило, прямоугольные детали были скроены по прямым линиям, но для пошива использовались роскошные ткани и богатая отделка.

Туника «Абажур» от Поля Пуаре, 1913 г.

Россия. Русский живописный авангард

В России обстановка кардинально отличалась от европейских стран. Здесь сосуществовали и русский стиль, и «мирискусники» (художественное объединение «Мир искусства»), и модерн, и художественный авангард. Проявлялось это в различных медиа, ярче всего в архитектуре и графическом дизайне.

Русский стиль был напрямую связан с социокультурными процессами, происходившими в стране на протяжении последних десятилетий. Отмена крепостного права, вопрос самоопределения России, противостояние или слияние с Западом — всё это породило удивительный гибрид, который был во многом европейским по форме, но имел детали и черты средневековой Руси. Ярчайшим представителем русского стиля в графическом дизайне был Виктор Васнецов.

Почтовая марка «Жертвам войны», Виктор Васнецов, 1914 год. Изображение: Public Domain

Модерн в русском дизайне 1910-х переживал пиковый период, испытывая сильное влияние русского стиля. Художественное объединение «Мир искусства», основанное ещё в последнем десятилетии XIX века в Петербурге, как раз собрало представителей как западной, так и русской ветви модерна.

При этом в стране возник русский живописный авангард. Правда, тогда авангардисты называли себя футуристами, будущниками или будетлянами. Это время характеризуется разнообразием языков и концепций (индивидуальных и коллективных), обилием движений, сообществ, выставок и невероятным количеством разномастных персонажей, каждый из которых стремился закрепить за собой право первооткрывателя нового слова в искусстве.

Самые влиятельные фигуры времени в русском живописном авангарде: Владимир Татлин — основатель конструктивизма (именно конструктивизм впоследствии окажет мощное влияние на развитие дизайна), Василий Кандинский — теоретик искусства и создатель органической абстракции, Казимир Малевич — создатель супрематизма.

Любовь Попова, «Архитектоника», 1917 г. Изображение: Public Domain

Дизайн в 1910-е годы контрастный: в начале десятилетия ещё сильна связь с модерном, в середине — война изменила мир до неузнаваемости.

Во время Первой мировой войны практически все созидательные процессы в дизайне были либо нарушены, либо перевёрнуты с ног на голову. Многие дизайнеры и художники отправились на фронт, некоторые из них погибли, другие переосмыслили жизненные установки и ценности. Часть производств была закрыта, остальные — переориентированы под военные нужды.

Сразу после войны многие страны, в частности Россия и Германия, пережили революции, серьёзные финансовые и социальные кризисы. Можно было забыть об утончённых, дорогих материалах и роскоши рубежа веков. В двадцатые был взят курс на утилитарность, функциональность, массовое производство, а также развитие дизайн-образования.

Больше интересного про дизайн в нашем телеграм-канале.  Подписывайтесь!

Жизнь можно сделать лучше!
Освойте востребованную профессию, зарабатывайте больше и получайте от работы удовольствие. А мы поможем с трудоустройством и важными для работодателей навыками.
Посмотреть курсы
Понравилась статья?
Да

Пользуясь нашим сайтом, вы соглашаетесь с тем, что мы используем cookies 🍪

Ссылка скопирована