Дизайн в деталях: градиент

Мир природы полон примеров плавного перехода между цветами. Когда мы любуемся оттенками рассвета и заката, прожилками осенних листьев или лепестками экзотических цветов, то наблюдаем явление цветового градиента. На протяжении истории люди искали способы воссоздать этот эффект на разных поверхностях — расскажу об истории градиента и его тиражного использования в этой колонке.

Предыстория: цветные разводы на стекле, ткани и бумаге

Разные технологии изготовления предметов из полихромного стекла были известны ещё в Древнем Египте. Когда разноцветные заготовки сплавлялись, из них получались изящные цветовые переходы. Дошедшие до наших дней стеклянные сосуды с цветными градиентами периода Римской империи выглядят вполне современно.

Один из древнейших способов создать орнамент на ткани — узелковое окрашивание. Фрагменты ткани завязывали, прошивали, складывали или сжимали — так поверхность окрашивалась неравномерно, на ней получались узоры с расплывчатыми краями. В Японии такой метод получил название «сибори» (шибори), в Древней Индии — «бандана». Разновидность этого окрашивания под названием «тай-дай» распространилась в европейской культуре в 1960-е годы благодаря хиппи, ярко украшавших одежду доступными способами.

Марморирование, или эбру, — техника рисования красками или чернилами на поверхности воды (или специального жидкого состава) с последующим переносом рисунка на твёрдую поверхность (бумагу, дерево, керамику, кожу). Благодаря разнице химических составов краски растекались по поверхности воды, образуя фантастические узоры.

Подобные техники существовали в Древнем Китае, Японии, Узбекистане, Индии, Пакистане, Персии, Турции. C начала XVII века техника распространилась и в Европе — с её помощью декорировали книги вплоть до конца XIX века.

Радужная печать: викторианская реклама, денежные банкноты и хиппи

При традиционной технологии печати у каждого цвета была отдельная форма, и это делало процесс дорогим. Печатники викторианской эпохи стремились его удешевить, но при этом сделать продукцию — в особенности рекламные афиши — более яркими и привлекательными. Так была изобретена радужная печать, или печать врастирку (Split fountain printing technique).

Её делали несколькими красками одновременно — из одного красочного ящика и одной печатной формы. Благодаря автоматическим раскатным валикам (или ручному скребку) краски смешивались прямо в процессе печати, образуя плавные цветовые переходы. В результате в Европе и США появилось много красочной рекламы с градиентным заполнением фона или контуров букв.

В 1890 году в Российской империи Иван Орлов предложил свою версию технологии «радужной» (или «ирисовой») печати — в качестве дополнительного средства защиты банкнот и ценных бумаг от копирования. В 1892 году эту технологию представили на европейском форуме банковских служащих и впоследствии запатентовали. Впервые в России радужную печать применили в 1894 году — для кредитных билетов номиналом 25 рублей.

В 1960-е годы технология радужной печати снова стала популярной — также благодаря субкультуре хиппи, их психоделическим плакатам и журналам. Яркие и оригинальные стилизации в духе викторианской рекламы создавал в тот период французский художник книги Роберт Массин.

Аэрография: пионеры фоторетуши, художники ар-деко и граффити

Ещё один вариант создать плавные цветовые переходы — распылить краски по поверхности под давлением воздуха (например, при выдувании пигмента через трубочку). Древнейшие изображения подобного рода, возраст которых составляет 13 000–9500 лет, можно найти на стенах пещеры Куэва-де-лас-Манос на юге Аргентины. Это краска нескольких цветов, распылённая вокруг «трафарета» — кистей рук.

Профессиональный прибор для распыления жидких или порошковых пигментов — аэрограф — был придуман только после появления фотографии и первоначально предназначался для фоторетуши. Патент на первое устройство выдали в 1876 году (Фрэнсис Эдгар Стэнли, США), но оно ещё было без непрерывной подачи сжатого воздуха. Ручной компрессор в 1878 году добавил Эбнер Пилер, и в дальнейшем прибор ещё многократно совершенствовался.

Вскоре новинку оценили художники и коммерческие иллюстраторы, стремившиеся к созданию фотореалистичных объёмных изображений с плавными цветовыми переходами. Новая техника, позволяющая рисовать без кисти, заинтересовала и передовых представителей авангарда.

Уже в 1919 году один из основателей дадаизма Ман Рэй создал с помощью аэрографа серию сюрреалистических работ — аэрограмм, раскритикованных искусствоведами того времени за принижение статуса живописи. В современное искусство аэрограф полноправно вошёл только в 1960-е годы — благодаря работам художников поп-арта.

Коммерческие иллюстраторы ар-деко использовали аэрограф, создавая новый визуальный язык: к стилизованным плоским формам раннего авангарда они стали добавлять геометризированные объёмные элементы.

Читайте также:

История дизайна. 1930–1940-е годы

Характерный пример — парижские работы выходца из Российской империи Адольфа-Жан-Мари Мурона, работавшего под псевдонимом А. М. Кассандр. Благодаря аэрографическим деталям кажется, что гладкий нос трансатлантического турбоэлектрохода «Нормандия» величественно выплывает на нас с поверхности рекламного плаката.

Аэрография помогала и декорировать ткани. Людмила, старшая сестра Владимира Маяковского, стала первой женщиной, возглавившей промышленную аэрографическую мастерскую. Образцы её тканей, окрашенных в том числе по запатентованной ею технике, были представлены на Парижской выставке 1925 года и до сих пор выглядят очень современно.

К 1930-м годам аэрограф массово применяют в промышленном производстве: с его помощью, например, наносили рисунки на автомобили. Постепенно аэрография как способ украшения личных автомобилей, мотоциклов и даже самолётов станет самостоятельным явлением массовой культуры, популярным до сих пор.

Следующее важное изобретение — аэрозольные баллончики с краской. Их создали в 1949 году в США, чтобы наносить алюминиевую краску на автомобильные детали. К концу 1970-х баллончики стали главным инструментом для художников граффити. Они создавали новый вид визуального искусства, в котором были плавные цветовые переходы и тёмные контуры с мягкими краями.

От китча до минимализма: эволюция градиентов в цифровую эпоху

Благодаря компьютерной графике и технологиям цифровой печати создавать градиент стало проще. Можно одним кликом добавить падающие тени, контролировать степень размытия краёв объекта и интенсивность вливания одного цвета в другой. Все эти приёмы стали популярны уже в 1980–1990-е годы.

Характерный пример — реклама выставки и образовательных мероприятий Graphic Arts Message '92 в Токио. Работа выполнена одним из пионеров и мастеров компьютерной графики Невиллом Броуди с его шрифтом Blur (1992).

Читайте также:

5 знаменитых проектов Невилла Броуди

Тогда компьютерная графика была несовершенна, а некоторые дизайнеры злоупотребляли эффектами имитации объёма, неонового свечения, блестящих металлизированных фактур с контрастными белыми бликами. Всё это сейчас воспринимается как китч и используется в основном для ретростилизаций.

Позже специалисты стали относиться к градиенту более деликатно. История редизайна логотипов известных брендов, постепенно избавившихся от «лишнего» объёма и блеска, упрощение иконок и графических интерфейсов отлично иллюстрируют этот процесс.

Градиент в современном искусстве и дизайне

В ХХ–ХХI веках цвет для многих художников становится главным и самодостаточным инструментом художественной выразительности. Передача вибраций, эфемерности цвета и его взаимосвязи со светом — одна из ключевых проблем художников авангарда. Именно градиент добавляет движение, объём и дополнительную выразительность их работам. Пример: значительно опередившая своё время картина «Зелёная полоса» (1917) Ольги Розановой.

Розанова в своих цветовых исканиях мечтала уйти от традиционных живописных материалов в сторону мультимедиа — экранов, прожекторов и непосредственной работы со светом. Актуальность подобных идей демонстрирует дальнейшая история развития видеоарта. От, например, «Модулятора светового пространства» (Light-Space Modulator, 1922–1930) венгерского преподавателя Баухауса Ласло Мохой-Надя до экспериментальных световых установок Булата Галеева и команды НИИ «Прометей» 1960–1980-х годов.

Следующий этап развития свето-цветового искусства — работы художников-минималистов 1960–1970-х годов. Например, американское движение «Свет и пространство» (Light and Space movement), яркие представители которого — Джеймс Таррелл, Джон МакКракен, Ларри Белл и Роберт Ирвин. Художник и скульптор Ларри Белл использовал градиенты не только в своих литографиях и коллажах в смешанных техниках, но и в цветных стеклянных скульптурах кубической формы, по-разному преломляющих свет и преображающих пространство.

Яркий пример влияния современного искусства на дизайн — работы Германа Эрмича, латвийского дизайнера, базирующегося в Амстердаме. Он создаёт предметы мебели и целые интерьеры из прозрачного стекла с градиентной плёнкой разных оттенков, тонко работает с особенностями восприятия цвета при разном освещении.

Особое место градиенты занимают в современной моде. Плавные цветовые переходы в одежде получают не только с помощью традиционных технологий окрашивания ткани, но и благодаря переплетению нитей разных цветов, наложению слоёв полупрозрачной ткани, цифровой печати на ткани и даже встроенных в одежду световых LED-элементов.

Интересный тренд предметного и фешен-дизайна — создание коллекций, существующих в цифровом виде и лишь частично реализованных в физическом. Например, у Дианы Уоллингер, основательницы студии DNWLLNGR, есть проект «Забота о себе, забота о мире» (2021). Он состоит из серии вдохновляющих и фантазийных цифровых моделей и одного белого брючного костюма, окрашенного в жизнеутверждающие градации зелёного и розового.

* * *

Градиенты присутствовали в визуальной и материальной культуре человечества с древнейших времён. Контрастные и нюансные, статические и динамические, заполняющие фон или объекты, тонирующие иллюстрации или фото, с наложенными текстурами или без… Когда уходит мода на одни градиенты — приходит мода на другие.