Известные картины русских художников: 10 самых любопытных произведений

Список лучших картин русских художников составить сложно, если не невозможно. Любая подборка будет необъективной и отражающей ценности и вкусы автора. Поэтому, конечно, список лучших работ русских художников можно продолжать и продолжать, а мы выбрали те, что считаем значимыми.

Карл Брюллов. Последний день Помпеи

1833

Брюллов написал картину после посещения раскопок древнего города Помпеи, разрушенного при извержении Везувия в 79 году н. э. Он проделал большое, как сказали бы сейчас, художественное исследование: копировал античные предметы, изобразил группу матери с двумя дочерьми, вдохновившись найденным именно в такой позе слепком тел, проиллюстрировал эпизод из письма Плиния Младшего Тациту, где дряхлая мать уговаривала сына бросить её и спастись. Костюмы он позаимствовал из оперы Джованни Пачини «Последний день Помпеи» (1825). А ещё он добавил щепотку личной интонации: сразу троих персонажей изображает его возлюбленная, Юлия Самойлова. Сам Брюллов нарисован в образе художника, спасающего самое ценное, что у него есть, — краски.

Полотно-блокбастер стало международной сенсацией. Когда картина была выставлена в Риме (1833), её восторженно встретили критики, назвав Брюллова «вторым Рафаэлем», а российские современники (и даже Пушкин) наперебой писали эпиграммы и стихотворения.

А Николай Васильевич Гоголь посвятил картине целое восторженное эссе (1834), где хвалил современность полотна:

Потом, конечно, кумира свергли с трона: во второй половине века певец реализма Стасов обличал излишнюю театральность и красивость картины, а Бенуа считал экспрессию, свойственную романтизму, вульгарной.

Но произведение нельзя выключить из контекста его эпохи, поэтому процитируем ещё раз милосердную и точную арт-критику Гоголя: «Нам не разрушение, не смерть страшны; напротив, в этой минуте есть что-то поэтическое, стремящее вихрем душевное наслаждение, — нам жалка наша милая чувствительность, нам жалка прекрасная земля наша».

Читайте также:

Селфи, романтизм и символизм: что стоит знать о картине Брюллова «Последний день Помпеи»

Алексей Саврасов. Грачи прилетели

1871

«Грачи прилетели» — символ пробуждения русской природы и картину из школьных сочинений — Саврасов написал в селе Молвитино (ныне Сусанино) под Костромой после череды болезненных событий.

В конце 1870 года Саврасов, вдохновлённый летними впечатлениями от Волги, и огорчённый потерей казённой квартиры от училища, получил заказ (вероятно, от Павла Третьякова) на зимние пейзажи. Художник уехал с семьёй в Ярославль, где планировал вести «тихую и сосредоточенную жизнь». Однако его ждали новые испытания: погибла новорождённая дочь, третий умерший ребёнок в семье, а жена тяжело заболела. О душевной боли художника свидетельствуют сделанные им в то время изображения могилы дочери.

И всё-таки именно этой весной он создал свое врачующее произведение, передающее настроение надежды и обновления жизни. Сквозь облака пробивается солнце, а чтобы пространство выглядело шире и глубже, на горизонте Саврасов использовал размытые светлые оттенки.

Картину презентовали на первой выставке Товарищества передвижных художественных выставок. Полотно ещё до выставки приобрёл Третьяков, чем огорчил императрицу Марию Александровну, желавшую приобрести оригинал, но вынужденную довольствоваться копией.

Читайте также:

Почему картина «Грачи прилетели» Алексея Саврасова — не только про весну, но и про личную скорбь

Иван Крамской. Христос в пустыне

1872

Вообще-то Крамской был портретистом, но он хотел и брал более сложные сюжеты. Его главная картина основана на евангельском эпизоде, где Христос после крещения проводит 40 дней в пустыне, сопротивляясь искушениям дьявола. При этом его Иисус не бог, а усталый, раненный и измождённый человек в момент сложного нравственного выбора: принести ли себя в жертву?

По словам самого Крамского: «Пойти ли направо или налево, взять за Господа Бога рубль или не уступить ни шагу злу»? И это, конечно, сильно отделяет его от привычной иконографии и европейской живописи. Художник вдохновлялся идеями Давида Штрауса, автора книги «Жизнь Христа», где последний изображён во вполне человеческой биографии.

Композиция статичная и делится на две смысловые части: нижняя — холодная, тёмная пустыня, которая символизирует материальный мир и испытания, верхняя — светлеющее рассветное небо, возвещающее преображение и новую жизнь. Ровно посередине картины сцепленные руки: они воплощают уже принятое решение и готовность к жертве.

Свою задачу Крамской сформулировал очень лаконично: «Поставить перед лицом людей зеркало, от которого бы сердце их забило тревогу». В 1873 году Академия художеств предложила Крамскому звание профессора за эту работу, но он отказался, отстаивая независимость искусства.

Виктор Васнецов. Богатыри

1881–1898

Магнум опус Васнецова занял больше 20 лет. Художник возил его за собой из Москвы в Киев, из города — на дачу. Его сын Алексей вспоминал: «В каждой квартире обязательно натягивались „Богатыри“, но папа редко над ними работал. „Богатыри“ — это для нас была тоже не картина, а что-то необходимое в жизни — постоянная обстановка жизни, как стены, потолки, обед, чай, „Собор“, папа, мама и т. п.»

Первый масляный эскиз «Богатырей» Васнецов подарил своему другу Василию Поленову уже после завершения главного полотна. Он хотел подарить сразу, но Поленов отказался, сказав, что примет набросок только после написания большой картины, — чтобы Васнецов не забросил идею. Сегодня этот эскиз можно увидеть в доме-музее Поленова.

У всех персонажей есть реальные прототипы: Илью Муромца художник рисовал с крестьянина Владимирской губернии Ивана Петрова и ещё нескольких человек: извозчиков и кузнецов. Для образа Добрыни Никитича, по мнению искусствоведов, он использовал собственные черты и внешность своих родственников. А Алёшу Поповича он рисовал с сына Саввы Мамонтова. Пейзаж и кони тоже «мамонтовские»: их эскизы художник сделал в Абрамцеве.

Читайте также:

10 картин Виктора Васнецова, которые стоит рассмотреть внимательнее

Илья Репин. Не ждали

1884–1888

Масштаб творчества художника, его роль летописца эпохи и разнообразие тем не позволяют говорить о нём просто как о «передвижнике». Репин жил долго, а к тому же его взгляды и ценности были довольно гибкими. Поэтому современники критиковали его за непоследовательность и «всеядность», а сам он успел изобразить и библейские сцены, и портрет Маяковского, и тяжкую долю бурлаков, и отнимающих у ребёнка хлеб красноармейцев.

Художник следил за актуальной повесткой и успевал своевременно на неё реагировать. Так, с эпохой Александра II с его либеральными реформами, а потом с цареубийством и последовавшими за ним репрессиями связан целый «революционный цикл» (он же — «народовольческая серия»).В него входят «Под конвоем» (1876), «Перед исповедью» (1879–1885), «Арест пропагандиста» (1880–1889, 1892), «Сходка» (1883) и «В одиночном заключении» («Тоска», 1884–1885).

Круговорот насилия: картина Репина «Не ждали» изображает возвращение ссыльного — вероятно, революционера или народника, — чьё внезапное появление вызывает сложную гамму эмоций у домочадцев. Вероятно, это период, когда многие осуждённые по «административным делам» возвращались после послаблений Лорис-Меликова.

В сюжете — загадка на загадке: кто эти люди? Насчёт родственных связей каждого из персонажей с главным героем исследователи спорят по сей день: жена или сестра, дети или сиблинги. Какие эмоции испытывает каждый из них? Настороженность, возбуждение, испуг, радость? Верят ли они своим глазам? Знали ли они об объявленной амнистии? Об амнистиях, как правило, объявляли заранее, а фотография убитого царя на стене вкупе с портретами Шевченко и Некрасова говорит о том, что семья была в курсе политических новостей. Тогда почему возвращение стало такой неожиданностью? Все ли его узнали? Герой робкий, боящийся неприятия или, напротив, уверенный?

Для современников Репина двусмысленность и неоднозначность эмоций портретируемых была скорее минусом, чем плюсом. Поэтому критики яростно отстаивали каждый свою якобы убедительную версию происходящего и делали исходя из этого предположения о нравственном содержании картины.

«Но этого мало: „Новому времени“ понадобилось представить семью ссыльного коллекцией индивидуумов из сумасшедшего дома: вообразите, по его словам, в одной и той же комнате — и урок идёт с детьми, и кто-то бренчит на фортепиано. Где же подобные вещи бывают в действительности? Да ещё в маленькой капельной комнате.

Представьте себе, что тут за Содом и Гоморра должны стоять. И всё это пришло в голову г. Суворину только оттого, что на картине представлено фортепиано, случайно открытое в эту минуту. Но ведь это все нелепые клеветы на Репина, ведь довольно хорошо можно видеть на картине, что никто у него в картине не бренчит и не играет на фортепиано: находящаяся подле него дама (сестра ссыльного или знакомая семейства) даже и сидит-то к фортепиано боком, прислонясь спиной к стене» — так, например, защищал картину апологет Репина, его современник Владимир Стасов.

Впрочем, если искусствоведы в чём-то и сходятся, так это в том, что в картине есть библейские аллюзии (блудный сын, воскресший Лазарь). Репин слегка погрешил с перспективой в композиции, так что в пропорциях входящего относительно окружающего пространства есть что-то от иконы. К тому же ссыльный одновременно динамичен и статичен: то ли идёт, то ли стоит.

Последнее, но не по значимости: это не единственная версия картины. Так, на одной из первых версий (1883 год, частично переписана в 1898-м) была изображена девушка — с гораздо более ясным выражением лица и в более уверенной позе, в пространстве, залитом тёплым светом.

Читайте также:

10 картин Репина, которые всем знакомы

Иван Шишкин и Константин Савицкий. Утро в сосновом лесу

1889

Работа, которую считают самым знаменитым произведением Шишкина, написана в соавторстве с Константином Савицким: первый написал лес с первыми солнечными лучами и утренней дымкой, а второй — забавных косолапых медведей. В это сложно поверить, но животные, ставшие буквально поп-культурным феноменом, тиражируемые на обложках конфет, давшие картине распространённые ошибочные названия «Мишки на дереве» и «Три медведя», немало раздражали современников.

«И если цельности вашего впечатления помешает что-нибудь в его картинах, то никак не деталь леса, а, например, фигуры медведей, трактовка которых заставляет желать многого и немало портит общую картину, где поместил их художник. Очевидно, мастер — специалист леса далеко не так силён в изображении животных.

Впрочем, он ими и не злоупотребляет», — писал тогда Василий Михайлович Михеев. А заказчик, Павел Третьяков, по свидетельству старейшего сотрудника галереи Николая Андреевича Мудрогеля, варварски стёр подпись автора медведей скипидаром, потому что он платил только за прославленного Шишкина, а не за коллаборацию. В Третьяковской галерее картина до сих пор значится только под именем Шишкина.

Свидетельства о том, кто автор идеи, расходятся: племянница Шишкина Александра Комарова пишет в мемуарах: «…медведей написал Савицкий по эскизу Шишкина». А Савицкий писал родителям жены:

Впрочем, сейчас мы знаем о вкладе обоих авторов, и представить утро в сосновом лесу без мишек уже невозможно.

Михаил Врубель. Демон (сидящий)

1890

«Демон (сидящий)» Врубеля — первая часть демониады художника, страдающего от неизлечимого психического заболевания. Изначально он придумал образ мятежного ангела как иллюстрацию к поэме Лермонтова, но потом «Демон» стал самостоятельным символом измученного духа, его альтер эго.

Печальный; по словам художника, «страдающий и скорбный, но при всём том властный и величавый» Демон принимает напряжённую позу, будто старается разорвать невидимые цепи или расправить отсутствующие крылья. Колени, обнятые руками, образуют форму сердца (такая композиция называется спиральной динамикой). Он нарисован дробными мазками: Врубель использует мозаичную технику, напоминающую витраж, калейдоскоп или грани кристалла.

«„Демон“ по-гречески… значит „душа“», — говорил художник, отстраивая своего персонажа от классического дьявола. Позже он создал «Демона летящего» и «Демона поверженного»: к тому моменту его психическое здоровье было совершенно разрушено.В 1910 году Александр Блок в своей речи на панихиде Врубеля назовёт художника «вестником»: «Весть его о том, что в сине-лиловую мировую ночь вкраплено золото древнего вечера. Демон его и Демон Лермонтова — символы наших времён: ни день, ни ночь, ни мрак, ни свет».

Читайте также:

Михаил Врубель: живопись разноцветных кристаллов

Кузьма Петров-Водкин. Купание красного коня

1912

Художник начал работу над картиной весной 1912 года в Саратовской губернии. Первоначально это была реальная сцена с гнедой лошадью Мальчиком, но постепенно конь стал красным, как на иконах (например, из «Чуда Архангела Михаила» или изображений Георгия Победоносца). По мнению искусствоведов, картина — это предчувствие грядущей революции. Впоследствии неожиданному собственному предсказанию удивлялся и сам художник.

На коне изображён подросток Шура Трофимов — двоюродный брат и фактически приёмный сын Петрова-Водкина. 12 сентября 1912 года художник пишет уехавшей с хутора жене: «Г-жа Грекова, Наташа и м-р Александр тебе кланяются, особенно Мальчик (твоя хорошенькая лошадка), он целует тебя своей красивой мордочкой. Вчера я его ещё раз нарисовал».

Петров-Водкин от пленэрной живописи с её рефлексами (рифмами цвета на соседних контрастных объектах) в пользу чистой, насыщенной палитры, где конь ещё краснее, а вода ещё зеленее. После выставки в Мальмё (1914) картина осталась в Швеции из-за войн и революций. В 1950 году её вернули вдове художника, потом она попала в частную коллекцию Казимиры Басевич, а в 1961 году её передали в Третьяковскую галерею, где она хранится до сих пор.

Казимир Малевич. Чёрный квадрат

1915–1929

Точка отсчёта современного искусства, символ нуля форм, мистификация, шутка: «Чёрный квадрат» Казимира Малевича и спустя сто лет остается таким же провокационным. Созданный в 1915 году, этот лаконичный образ стал манифестом супрематизма.

Вообще-то, все произведения изобразительного искусства можно поместить в спектр между подражательными и смысловыми изображениями. Первые стараются как можно точнее и достовернее передать видимую реальность, вторые — умозрительные идеи. И супрематизм, к которому относится чёрный квадрат, будет в правой стороне этого спектра вовсе не в гордом одиночестве: с ним будут соседствовать иконы, изображающие концепцию духовной реальности, и палеолитические венеры, символ универсальной женственности. Другое дело — что эта точка крайняя, дальше неё сложно идти.

Чёрный квадрат Малевича — далеко не первый чёрный квадрат в истории. До него были «Великая тьма» Роберта Фладда (1617), «Вид на Ла-Хог (ночной эффект), Жан-Луи Пети» Берталя (1843), «Сумеречная история России» Гюстава Доре (1854), «Ночная драка негров в подвале» Пола Билхода (1882), «Битва негров в пещере глубокой ночью» Альфонса Алле, (1893). Другое дело, что Малевич первым заложил в это серьёзный, неироничный, революционный смысл.

«Когда исчезнет привычка сознания видеть в картинах изображение уголков природы, мадонн и бесстыжих венер, тогда только увидим чистое живописное произведение. Я преобразился в нуле форм и выловил себя из омута дряни академического искусства. Вещи исчезли как дым, для новой культуры искусства, и искусство идёт к самоцели — творчеству, к господству над формами натуры», — писал он в своём манифесте «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм» (1916). А в письме Матюшину он называл свой квадрат «дверью, открывшей для меня много нового».

Казимир Малевич впервые написал свою знаковую картину в 1915 году для выставки «0,10» в Петрограде. Тогда он повесил её в «красном углу», как икону. Позже он создал несколько версий «Квадрата» — оригинал со временем потрескался, и сейчас в Третьяковке хранится ещё один, работа 1929 года.

Под верхним слоем краски нашли ещё две картины Малевича: если присмотреться, они проступают сквозь кракелюр — трещины. И всё-таки ирония была Малевичу не чужда: первый квадрат сопровождает игривая карандашная подпись «Битва негров ночью», сделанная — это доказано искусствоведами — рукой художника.

Читайте также:

Слишком просто, но непонятно: в чём секрет гениальности «Чёрного квадрата»

Ольга Розанова. Зелёная полоса

1917–1918

Вообще-то, незаслуженно обделённое вниманием мирового канона полотно Розановой значимости сопоставимо с «Чёрным квадратом» Малевича. Оно тоже иллюстрирует чистую идею, но Розанова ещё и пошла дальше и решила проблему «ограниченности холста», создав работу, которая визуально выходит за его рамки. Варвара Степанова даже противопоставляла её «цветопись» супрематизму, утверждая, что у Малевича «цвета нет, его композиции, будучи сделаны чёрными, ничего не теряют; Розанова обратно — её вещи без цвета ничто».

Это радикальный эксперимент, где цвет становится главным героем, освобождённым от формы, значимым самим по себе. С лёгкой руки Варвары Степановой этот метод и концепцию уже после смерти художницы стали называть «цветописью», но сама Розанова использовала термин «преображённый колорит».

Розанова умерла рано, в 32 года от дифтерита, успев за восемь активных лет в искусстве совершить прорыв. Её концепция опередила время, предвосхитила послевоенную абстракцию Ротко и доказала, что авангард — это не только мужская история.Ольга Розанова, «Зелёная полоса», 1917–1918 годыИзображение: ГМЗ «Ростовский кремль»

Читайте также:

10 картин Розановой, которые нужно знать