Лучшие проекты лета 2025-го: выбор редакции

Снова прошло лето. Дизайнеры показывали классные проекты и кейсы, а мы снова выбрали топ-15: в этот раз получилось много про детство, саморефлексию и креативную свободу.

Смотрите картинки и фотографии, читайте ясные и глубокие ответы на наши вопросы о дизайне и вдохновляйтесь.

Многостраничник «РЕП» про рэп

Выпускница бакалавриата ШД НИУ ВШЭ Айсылу Галиева представила ​дипломную работу — издание про русский рэп. В нём визуально сложный дизайн и тысячи деталей. Мы решили расспросить Айсылу о том, как сложился этот проект.

— Почему эти три музыканта? Как ты выбрала этих персонажей?

— Важный аспект рэпа как жанра — текстоцентризм. Ключевая роль у слова и его значения, и наиболее ярко это проявляется в работах андерграундных исполнителей. Их немало, но я отобрала Макулатуру, Славу КПСС, ЭПП за наибольший отклик внутри меня: у них самобытность формы сочетается с глубиной и «настоящностью» содержания. В их рэпе всегда присутствует сомнение сквозь иронию, их герои всегда «на передовой» и всё же всегда будто во сне.

И ты буквально ощущаешь текст физически, как, возможно, ощущается земля, по которой ступаешь в заповедном лесу. Это авторы, чьи альбомы я способна слушать, слушала и буду слушать от начала до конца, не брезгуя ни одним треком. Подобных исполнителей много, но эти — словно верные друзья.

— Как рэп повлиял на вёрстку? В вёрстке каждого раздела визуально выражено что-то конкретное?

— На русский рэп можно смотреть как на современную поэзию, где ритм и рифма служат инструментами для передачи мыслей и эмоций. Это как раз можно наблюдать в вёрстке текста, которую я дополнила своей визуальной интерпретацией музыки и коллажами.

Рэп стремится к неразделимости биографического автора и автора художественного произведения. Я делаю так же.

Айдентика книги — это слои информации: тексты, линии, текстура, материал. Мне нравится, когда это происходит в настоящем чувстве: когда живёшь через материал и оставляешь в мире визуальные знаки, которые сохраняют время и пространство как нечто неуловимое.

Всё, что я создаю, — это форма и образ чувства. У меня нет никакого желания включаться в вездесущий минимализм — не чувствую связи. Хочется передавать чувство и эмоцию. Меня это интригует и очаровывает, я ловлю всё больше и больше моментов искреннего и живого процесса.

— Что в работе было выматывающим?

— Мне кажется, когда занимаешься любимым делом, такого просто не возникает.

Моя деятельность встроена в жизнь. То есть это не столько коллаж, не столько, прости господи, творчество, сколько непосредственное проживание того, что меня гложет. Я выбрала… хотя нет, я никогда ничего не выбирала сама, ни одного решения. Я делаю то, что должна делать, и делаю это с момента рождения, вот и всё. В общем, занимаюсь тем, что нравится. потому что иначе не могу.

Ты отдаёшь всё целиком в процесс, и внутри тепло.

— Что ты узнала про рэп?

— Наверное, более телесно ощутила связь ритмических структур рэпа, свободного самовыражения и рефлексивности с коллажностью.

Для меня смешанные техники — это некий выход из тесноты ума и однообразия процессов. То же делают рэперы. Ты одновременно как бы придумываешь, но отдаёшь в мир так, как это проходит через восприятие. Чувствуешь, что счастлив заниматься любимым делом будто ещё больше и чище.

Связь с тем, чем я занимаюсь, становится крепче. Хочется стремиться к тому, что прибавляет энергии и желания жить.

Читайте также:

Панк в графическом дизайне: 6 принципов, которые не обязательно соблюдать

Упаковка косметики GO TAPA

Агентство Супрематика представило дизайн нового бренда косметики — GO TAPA. Это средства небольших объёмов в ярких упаковках travel-формата с оформлением в стиле багажных тегов.

Мы спросили арт-директора Супрематики Ирину Сахарову, что стояло за визуальными решениями для бренда.

— Кто ЦА этого бренда? Кого вы представляли покупателем GO TAPA?

— Целевая аудитория GO TAPA — молодые люди, жители больших городов. Они ведут активный образ жизни, готовы к приключениям, их жизнь яркая и насыщенная, им необходима косметика в удобной упаковке, способная без проблем поместиться даже в самую маленькую сумку, которую они легко смогут взять с собой в поездку, на тренировку, в офис, на ночёвку с друзьями. Они не фиксируются на одном продукте, любят пробовать новое, собирать сеты.

— Как пришли к «аэропортовым» отсылкам? До этого была какая-то альтернативная тема, от которой отказались?

— «Аэропортовую» тему продиктовал сам продукт, который выпускается в концепции «Beauty on the go». Поэтому направление было выбрано сразу — необходимо было найти правильную визуальную форму. Например, среди альтернативных вариантов были образы, связанные с дорогой.

— Было какое-то ограничение, с которым пришлось помучиться в дизайне?

Мини-формат упаковок и разные SKU практически не дают пространства для дизайна. Нам надо было передать идею, разместить всю необходимую информацию и адаптировать концепцию под разные форматы. Так, помимо основной яркой упаковки с самим средством, появилась дополнительная с багажным тегом. Благодаря ей концепция бренда легко считывается, а основная упаковка не теряет удобства и функциональности.

Оформление выставки «Я иду искать»

В Хлебном доме музея «Царицыно» в начале июля открылась выставка «Я иду искать» — антропологическое исследование ритуалов, связанных с жизненными переходами, в формате тотальной инсталляции, собранной из работ современных художников. Это размышления о возрасте, жизни, смерти, времени, свете, тенях и снах и о том, как эти глубокие темы отражены в фольклоре и обыденности.

Графику для выставки создала команда студии Holystick.

Визуальная система для школы

Студия R.J.S. Studio опубликовала систему визуальных коммуникаций, созданную для школы дизайна и мультимедиа Kafedra. Она построена на основе видимой сетки и ритмики текстовых элементов.

Шрифт Lufta

Независимый дизайнер Арина Шокарева создала, а магазин type.tomorrow выпустил в продажу Lufta — дружелюбную и почти трафаретную брусковую антикву. В ней три начертания: Normal, Rounded и Doubled.

В начале было задание в дизайнерском чате — интерпретировать картинку-референс. О том, как сложился полноценный шрифт, мы расспросили Арину.

— У тебя теперь два крутых проекта на шрифтовом поле: Ruff и Lufta. Чем принципиально различалась работа над ними?

— Оба шрифта получились очень акцидентными, но процесс их создания действительно сильно различался. Ruff был моим студенческим шрифтом, который я сделала под руководством Димы Голуба, и он дал мне колоссальную базу в шрифтовом дизайне.

После релиза мне захотелось сделать что-то полностью своё, поэтому участвовала в экспериментах чата Playfaces Володи Коломейцева. Там я хотела нащупать направление для будущего шрифта. Один из моих экспериментов настолько мне понравился и получил такой отклик у многих людей, что я решила, что надо попробовать это реализовать как шрифт. Так и родилась Lufta.

— Почему «засечка как самостоятельный графический элемент» стала кружочком и обломком кружочка? Как он возник?

— Референс, который прислал Володя, — это один из вариантов логотипа для бара «игла» (автор KOBRA). Меня сильно зацепило то, что засечки могут быть вовсе не привычными засечками, вырастающими из штрихов символа, а чем-то иным.

И я попробовала вставить в леттеринг овалы и полуовалы. Поняла, что это стенсил-история, и решила все буквы сделать из модулей.

— Была какая-то буква или форма, которая никак не вписывалась, когда ты делала из графики целый шрифт?

— В целом работать с модулями — очень захватывающий и интересный процесс, потому что один символ можно нарисовать несколькими способами, и всё может работать. Поэтому для меня отрисовка сложных символов была больше игрой: а как можно собрать его из того, что имею.

Долго придумывалась только латинская S: в первых версиях она была более простой и угловатой и не вписывалась в шрифт, в последней — закруглилась из полуовалов.

Ещё были трудности с фичами, но команда type.today очень мне помогла их разрешить!

Читайте также:

Новые шрифты-2025: элегантная антиква CoFo Raffine, «дружелюбная» Geotunda и перерождение Pragmatica

Книга «Она продолжается»

Константин Ерёменко оформил книгу фотографа и преподавателя Алёны Кочетковой о боли, страхе и опыте — о переживании онкологического заболевания.

Мебель Tretyakov

Ася Моисеева, выпускница РГХПУ имени С. Г. Строганова по кафедре «Дизайн мебели», показала капсульную коллекцию из дубового буфета, кресла и светильника. Эти предметы — визуальное посвящение личности Павла Михайловича Третьякова и его ипостасям: строгому купцу, страстному коллекционеру и мудрому благотворителю.

— Мой проект приурочен к юбилею кафедры, которой исполнилось 80 лет, и 200-летию «Строгановки». Я начала с анализа личности Павла Третьякова, которого мы знаем в основном как мецената и коллекционера вообще. Передо мной оказался огромный пласт информации. Я посещала отдельно дом-музей Третьяковых, где узнала, что он также владел Костромской льняной мануфактурой, очень много вкладывался в благоустройство Москвы: его деньги шли на многие постройки, в том числе на Третьяковский проезд. И, например, ещё был попечительский дом для глухонемых детей, Арнольдо-Третьяковское училище.

Многие дома строились в стиле русского модерна. После смерти Павла Третьякова фасад Третьяковской галереи был оформлен тоже в стиле русского модерна по эскизам художника Васнецова. Эта особенность вошла в мой концепт: дизайн и строгий, и аскетичный, и немного декоративный.

Мне нужно было как-то очень аккуратно совместить русский модерн и строгую личность Павла Михайловича Третьякова. Но при этом передать его внутреннюю теплоту: судя по сохранившимся письмам его знакомых, друзей, его семьи, несмотря на свою внешнюю аскезу и сильную личность, он был невероятно щедрым, тёплым человеком внутри.

Шкаф — это отсылка к галерее, к коллекционированию, к картинам, висящим плотными рядами. Есть сохранившиеся архивные фотографии, показывающие, как он сам и и в каком порядке развешивал полотна и как они едва ли не налезали друг на друга рамами. Ещё в плане формообразования в дизайне буфета есть характер скульптуры Павла, где он стоит строго, с прямой спиной, скрестив руки.

Кресло — отсылка к самим холстам. У него есть перекидная подушка: если вы видели, как художники натягивают льняные холсты и закрепляют их скобами на подрамники, это оно.

А светильник с шариками — это отсылка к льняной костромской мануфактуре. Он выполнен из светопрозрачного пластика и льна, и лента с помпонами — это референс к катушкам с нитями, которые использовали на фабриках. Те пучки, коробочки на тонких палочках, вдохновили меня на это формообразование.

Деревянные шарики на кресле и на буфете — это маленькая отсылочка к русскому модерну. Декоративность, но в современном прочтении.

Музей прекрасно передаёт то, насколько выдающейся личностью был Третьяков, насколько он вкладывался в развитие культуры в России, и то, что он делал это от чистого сердца… Сейчас таких людей, мне кажется, не так много на свете.

Бренд-платформа Mastermind

Свежий кейс бренд-бюро Щука — проект для Mastermind, коучинговой программы для предпринимателей. Визуально дизайн выражает идею «поворотной точки».

А мы решили узнать у партнёра и креативного директора Щуки Ивана Васина, что именно сообщают разные элементы брендинга и почему в проекте появились именно такие решения.

— Что отличает брендинг Mastermind от других private-club-vip-society-брендингов? Какая визуальная деталь или, может быть, ироничное решение?

— Это не private club в классическом смысле. Mastermind — это коуч-программа, «пространство позитивных изменений». Поэтому в основе концепции лежит метафора точек роста, изменений, поворотных моментов. Нужно разглядеть их и реализовать лучшую версию себя.

Эта метаморфоза проявляется в наших генеративных видеосюжетах.

— Почему взяли этот шрифт, а не что-то максимально «дисциплинированное»? Что говорит этот шрифт?

— Мы выбрали шрифт SangBleu Sunrise Livre. Он лёгкий, элегантный, красивый, если так можно сказать. Участникам программы важно видеть что-то по-настоящему новое для себя в айдентике бренда, чтобы поверить в силу изменений.

Красота меняет мир.

— Почему в максимуме 10 точек? Это что-то значит?

— Знак Mastermind — абстрактная «М» из точек: образ лидера и сообщества, множественности возможностей. Он сочетает строгость структуры и эксклюзивность и интеллектуальность, отражает движение вперёд (или вверх, если мы говорим про рост).

На самом деле, конечно, дело не в этом: в названии 10 букв, поэтому точек именно столько :)

Книга «Меня зовут Эрик Сати… как и всех»

​Эрик Сати был французским композитором, благодаря работе которого в начале XX века появился почти десяток современных музыкальных жанров века XXI-го — от неоклассики до минимализма. Он работал с Дягилевым и Пикассо, был эмоционален, эксцентричен и знал толк в сарказме.

Выпускница магистратуры ШД НИУ ВШЭ по профилю «Искусство книги» Полина Ливаич опубликовала книгу о его искусстве — яркую и сложную, как сам Сати.

Мы узнали у Полины, как сложилась эта работа.

— Что о Сати говорит вёрстка книги?

— Вёрстка, как и музыка Сати, лишена строгой структуры. Простой макет позволял мне играть с текстом: выделять ироничные моменты, повторяющиеся мотивы или передавать его фрагментарный литературный стиль.

Воздухи, отступы, пропуски и многоточия — всё это заслуга героя книги.

Что касается шрифта, то я искала его довольно долго. Мне хотелось передать простоту композиций и бунтарский дух Сати. Один из преподавателей предложил мне использовать Arial и Times New Roman. И действительно, эта пара оказалась идеальной для книги.

Выбор базовых шрифтов заявляет, что в простоте есть своя изюминка, как и в произведениях Сати. Кроме того, такое решение отражает стойкое безразличие, которое он испытывал к многочисленной критике.

— Ты специально училась работе с нотным письмом? Ноты здесь только как иллюстрации?

— Финальные оригинальные манускрипты здесь, безусловно, можно рассматривать как иллюстрации. Какой тонкий, изысканный почерк! Он даже вдохновил меня самой позаниматься каллиграфией.

А с нотной грамотой я знакома давно, так как ходила в музыкальную школу. Пока разбирала архив нотных записей Сати, очень интересно было разглядывать его хаотичные наброски произведений: словно подсматривала за его творческим процессом. Ещё интереснее было читать его абсурдные нотные инструкции. Читаешь в нотах «играть как соловей с зубной болью» и потом действительно слышишь этого бедного соловья в произведении.

— Над чем ты в этой работе больше всего смеялась?

— Над колкими и sassy-ремарками Сати в адрес критиков. Он никогда не боялся откровенно высказывать свои мнения и обиды публике. Один раз он даже отсидел восемь дней из-за неприличного письма, направленного критику.

Также смешила меня его манера речи. Она переполнена нонсенсом и иронией. Перечислю пару цитат для понимания:

• «Лично я ни хорош, ни плох. Я, так сказать, колеблюсь. А посему никогда не причинил зла — как, впрочем, и добра».
• «Почему легче наводить на людей скуку, чем их развлекать?»
• «Море переполнено водой: как это прикажете понимать?»
• «Курьёзная вещь: чем критик глупее, тем он умнее… Просто непостижимо… Ещё бы!»
• «Полю Виардо,
  Во имя Розы и Креста, будьте прокляты!
  Е. С.».

• «Луи Лалуа (хитрый как лис, но намного противней) написал несколько красивых статей о Пуленке и Орике… М-да… Слёзы — слезливые — выступили у меня на глазах… Заслуженная награда за „двойную игру“».

Айдентика и фотостиль Sreda Summer Summit

Агентство Dotorg представило визуальный стиль серии летних мероприятий от фестиваля Sreda. Больше всего нам понравилось то, что этот проект собрал на одной площадке 20 серьёзных дизайнеров в смешных позах.

Графическое оформление выставки «Женщина за кадром»

С марта по конец июля 2025 года в Еврейском музее и центре толерантности проходила выставка, рассказывающая об истории отечественного кинематографа с точки зрения женщин в киноиндустрии.

За архитектуру пространства выставки отвечали Кирилл Асс, Надя Корбут и Михеил Микадзе, а за графику экспозиции — студия ABCDesign. Мы узнали у дизайнера Дарьи Зацарной, по каким принципам она была сделана.

— Над чем в архитектуре экспозиции пришлось потрудиться, когда вы разрабатывали графику?

— Интересно было работать с суперграфикой во входной группе выставки на стене, с реечными конструкциями и их просветами, создавая многослойность и разномасштабность, аналогичные смене кадров и планов в кинолентах.

Часть объёмных форм во входной группе является витринами на противоположной стороне — благодаря этому получилась очень интересная архитектура. Сначала запечатывали фанеру нашей суперграфикой, а после крепили рейки.

Огромное спасибо архитекторам за такую интересную работу!

— Как удалось не сделать «винтажный» дизайн в теме про XX век? Какие решения визуально связывают старое кино и восприятие дизайна в 2025-м?

Перед началом работы над проектом посмотрела фильмы 10 женщин-режиссёров, представленные на выставке.

Фотопроект о памяти детства

Проекты о личной памяти и опыте всегда вызывают у нас особенные чувства. Этим летом нас зацепила работа арт-директора Дарьи Арнаутовой и фотографа Татьяны Прядко, где соединены сет-дизайн, фотографирование и тёплая рефлексия.

Даша и Татьяна ответили на наши вопросы о детстве и выражении чувств.

— Ты собирала в детстве в кармашек сокровища? Как тебе кажется, зачем дети это делают?

Таня: Я собирала и продолжаю собирать. Потому что детство — это про игру, ты можешь создать собственный мир, каждая вещь превращается в твою историю. Сейчас я думаю, что это ещё и способ перенести своё состояние и чувство в предмет.

Таким образом ты от всего этого внутри себя избавляешься, даёшь место новому, но не забываешь.

— Как здесь выражена печаль, с помощью какого приёма? Или не печаль, а другое чувство?

Даша: Мы с Таней похожи в том, как у нас зарождается и выражается создание настроения, — это ассоциации и внутреннее личное чувствование «того самого момента».

Поэтому конкретики в приёмах нет (и не знаю, стоит ли на это обращать внимание), — все средства хороши.

В данном случае (так как я была в роли арт-директора) я держала в голове Танину личную историю, которая вдохновила её, и наблюдала за тем, в какую сторону она движется в своём процессе. Мне хотелось помочь ей выразить и сохранить настроение этой истории — настоящую ностальгию по яркости детских ощущений и искреннюю радость от игры и придумывания целого мира из «обычных», бытовых вещей.

• Густые тени и тёплый общий цвет — уютный дом и вечерние семейные посиделки, когда все возвращаются и собираются вместе.
• Внимание к текстурам (клоуз-ап) и игра с геометрией и разной формой (нагромождение или сочетание разных величин) — моя попытка передать мир глазами ребёнка и его игру со взрослыми предметами.

— Что было сложнее всего организовать в этом проекте?

Таня: Не могу сказать, что было что-то сложное в организации, — все предметы и моя рефлексия были готовы. Но вот подобрать фон — это была задача со звёздочкой. Нужно чтобы он был именно частью этой истории, а не просто фоном.

И вот я пошла на прогулку в любимом дедушкином плаще, а через него так потрясающе светило солнце, что стало понятно: это будет самым идеальным фоном этой истории для всех кадров.

— Зачем состоявшимся дизайнерам, арт-директорам и любым креативным профессионалам делать такие проекты?

Даша: Отвечу не на сам вопрос, рассмотрю два важных момента из него.

1. Зачем. Я бы не сказала, что это надо, потому что импульсу и отклику часто просто невозможно сопротивляться.

Я люблю размышлять, как в жизни любого человека происходит выражение внутреннего через внешнее (эмоции и чувства через материю). И, как мне кажется, для этого процесса нет вопроса «зачем».

На протяжении всей своей жизни мы получаем эмоциональный опыт, который постоянно во что-то выливается. Нужда возникает не в конкретном виде этого процесса, а в том, чтобы отрефлексировать этот опыт и выразить его в материальной форме.

Это такой же вид «диалога с собой, как ведение дневника или танец.

2. Отсюда важный момент: я бы рекомендовала это делать всем и в той форме творчества, которая близка. Так ведь и рождаются истории, с которыми хочется соприкасаться.

3. И ещё про коллабы.

Дружба с Таней и возможность вместе творить стала для меня точкой входа в новый опыт новой для себя роли. Так что совместные процессы и проекты могут приносить пользу не только в рамках получения конечного результата :)

Иллюстрации для спортивного дневника

У Александры Соколовой мы увидели иллюстрации для детского спортивного дневника. Хотя почему детского? Мы бы тоже хотели им пользоваться.

Айдентика фестиваля хот-йоги

Кристина Овчинникова на интенсиве Леонида Славина в ШД НИУ ВШЭ разработала айдентику для горячей йоги — практики, которая проводится во влажном помещении, нагретом до температуры 35–40°С.

— Была в начале работы какая-то идея, от которой пришлось отказаться?

— Я поняла, что осмысленная идея — это всегда поиск: сначала берёшь с верхней полки, а потом начинаешь копать и находишь что-то стоящее. У меня было несколько формальных и неточных идей, которые были выброшены, а когда я постаралась более внимательно всмотреться в тему, появилась идея с запотевшим окном.

— Почему в типографике именно такой характер и отрицательный межстрочный интервал?

— Сначала я хотела сделать заголовки, которые как будто вывели пальцем по запотевшему стеклу, и максимально нейтральный остальной текст (до сих пор на самом деле не до конца эту идею отпустила!). Потом в ходе работы появился заголовок, «утопающий» в паре, и текст, строчки которого как бы сжимаются, почти как мышцы в йоге :)

И тогда всё как будто сложилось.

— От чего в этом проекте ты сама получила больше всего удовольствия?

— Было здорово рисовать силуэты и создавать объём. В разных позах какие-то части тела выступают больше, какие-то меньше, и, когда получается с этим разобраться, появляется магия.

Ещё классно потом все эти фигуры переносить на мерч. Каждый айтем со своими особенностями и нуждается в особом подходе :)

Новый стиль Dizengof/99

​​В Москве продолжает расширяться сеть кафе тель-авивской кухни Dizengof/99 — это одна хорошая новость. Айдентику и систему визуальных коммуникаций для Dizengof/99 обновила студия Tuman — это вторая хорошая новость.

В них — отсылка к локальной уличной навигации, а ещё отражение духа свободы, вечной юности и честной простоте.

Лето навсегда!